NIÑA CON GLOBO ROJO

 

En la presente entrada vamos a analizar Niña con globo rojo de Banksy que puedes ver en la imagen de la izquierda.

Se trata de una obra pictórica, pintura mural, un grafitti realizada con stencil y spray. Street art. Siglo XXI primera mitad.

Nos centramos en el contexto. La obra original está fechada en torno al 2002, comienzo del siglo XXI. Una centuria que viene marcada por el atentado del 11-S en Nueva York. Un hecho que origina un auténtico maremoto en las relaciones internacionales siendo diversos los conflictos políticos que se han venido sucediendo desde entonces. Conflictos que han venido de la mano de sucesivas crisis económicas y una sanitaria marcada por la pandemia de la Covid-19 en marzo de 2020. Un panorama político y económico inestable que se traducen en lo social en una importante incertidumbre de cara al futuro y en el que las acciones humanas condicionan positiva o negativamente el mismo.

Como hemos indicado la obra original fue creada en una pared de la ciudad de Londres. Se empleó la técnica del stencil consistente en utilizar una plantilla que se fija al muro la cual se marca con spray para conseguir el dibujo que vemos en la imagen. Esta técnica constituye la base del trabajo de buena parte de los grafiteros que se ven obligados a trabajar deprisa debido al carácter clandestino que tiene su arte. Desde el punto de vista del tema nos encontramos la representación de una niña, realizada en blanco y negro, cuyo borde del vestido y cabello es movido por el viento; un viento que mueve, alejando del alcance de la niña, un globo con forma de corazón en vibrante color rojo. En la imagen observamos uno de los sellos de identidad de su autor Banksy el color rojo que en este caso se asocia a los elementos simbólicos de la libertad y la inocencia infantil; aspectos éstos fugaces que se pierden cuando se produce el tránsito de la infancia a la edad adulta. Si bien, en este caso, la obra no tiene un significado único, al contrario, está abierto y se enriquece con las interpretaciones que el espectador pueda darle. Ese globo rojo puede simbolizar también la necesidad que tiene la humanidad a aferrarse algo solido que le permita navegar y sobrevivir en el mar de incertidumbres diarias que conforman nuestra vida actual. Aspecto este que tiene fuerza si leemos la inscripción que acompaña la imagen "ther is always hope" y que, con toda probabilidad no lleve la mano de su autor.

En el año 2018 la célebre obra de Banksy se convierte en un hito internacional cuando una casa de subastas decide sacar a subasta un grabado de la Niña con globo rojo. El grabado se presenta dentro de un marco victoriano y cuando el director de la subasta golpea con su mazo en la mesa adjudicando así la venta tiene lugar un hecho insólito. La obra de Banksy comienza a deslizarse hacia la zona inferior del marco autodestruyéndose. La imagen se hace viral saliendo tanto en los medios de comunicación convencionales como a través de Internet. Banksy tenía guardada una sorpresa al comprador de su obra. Una pequeña trituradora escondida en el marco se activa justo en el momento en el que se cierra la venta. Se origina la destrucción de la obra que, por un fallo del mecanismo, no es total sino parcial. De seguro que la cara del comprador y de los asistentes a la subasta no tuvo precio. Eso sí, Banksy se salió con la suya al subrayar con dicha acción el significado fugaz que sobrevuela la obra y una denuncia ante los medios de comunicación de la banalidad del arte en la sociedad actual y cómo este es visto como un mero negocio objeto de especulación. Un aspecto, por otra parte, nada nuevo pues esta misma idea, aunque sin destrucción de por medio, ya la había planteado Marcel Duchamp con su Fuente en 1917.

Cerramos el análisis haciendo referencia al grafitti englobado dentro del Street Art que surge en la década de los setenta del siglo XX concebido como un arte marginal y clandestino de fuerte denuncia social. En los años 80 además, en Estados Unidos, el grafitti se asocia con una manera de vestir e incluso un tipo de música (hip-hop, rap) y un baile (breakdance) como forma de expresión callejera contraria a lo establecido. Actualmente este tipo de manifestaciones artísticas han encontrado su hueco fuera de la clandestinidad, rehabilitando espacios urbanos e incluso poniendo en el mapa entornos rurales donde las fachadas de sus casas se convierten en espacios de arte vivos en continua metamorfosis.

Para saber más:

LA OBRA DE ARTE FAVORITA DE LOS BRITÁNICOS

DESENTRAÑANDO A LA CHICA DEL GLOBO ROJO

BIBLIOGRAFÍA.

GOMPERTZ, W. (2013) ¿Qué estás mirando? 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos. Taurus

Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada:

https://historia-arte.com/obras/nina-con-globo

SPIRAL JETTY

 

En esta entrada vamos a analizar la obra Spiral Jetty de la que puedes ver una imagen a tu izquierda.

Comenzamos con la identificación, se trata de una obra escultórica realizada en el siglo XX, segunda mitad, año 1970, arte contemporáneo corriente del Land Art siendo su autor Robert Smithson. Ante todo una pequeña aclaración sobre la naturaleza de la obra. La hemos catalogado como escultura, aunque, ¿la escultura no es aquella obra realizada con materiales tradicionales, madera, piedra o arcilla? Cierto es si bien a partir de la década de los sesenta es cada vez más patente el cuestionamiento del concepto de arte tradicional. Lo que Smithson realzó fue una intervención en un espacio natural "esculpiendo" en dicho espacio un elemento no natural y por ese motivo es correcto identificar la obra que nos ocupa como escultura.

Realizada la aclaración proseguimos nuestro análisis con el contexto general de la época. Spiral Jetty fue realizada a comienzos de los años 70. Continuamos dentro de la Guerra Fría en el comienzo de una década que viene marcada por el conflicto de la Guerra de Vietnam en la política internacional; el final de la dictadura franquista en nuestro país; y en la irrupción de la crisis del petróleo que provoca que los precios de los productos alimenticios se disparen considerablemente. En lo que a sociedad se refiere, los movimientos que en los años sesenta se han observado en buena parte de los países europeos y en Estados Unidos, siguen manteniéndose en la década de los setenta; destacando, además, el despertar que España va a experimentar en este sentido en la segunda parte de dicha década.

Como hemos indicado con anterioridad la obra propuesta para analizar pertenece al Land Art. Se trata de una corriente que irrumpe con fuerza en el panorama artístico entre finales de los sesenta y principios de los setenta del siglo XX. Su llegada coincide con la puesta en marcha de una conciencia ecológica que aparece en la sociedad internacional, más o menos por la misma época, buscando reconectar a la humanidad con la naturaleza poniendo las bases de lo que en nuestra época actual conocemos como sostenibilidad. Además, el Land Art es una variante del llamado Arte Conceptual donde lo importante no es el objeto representado sino el concepto, la idea que se pretende transmitir. Cuando Smithson "esculpe" su obra decide cambiar el espacio donde exhibirla. Considera que las salas de arte están muertas y el mejor escenario para crear y presentar una obra es la naturaleza aunque ello implique lo efímero de su propuesta.

La obra fue realizada en el Great Salt Lake en Estados Unidos en 1970. Smithson trabaja desde la orilla hacia el interior del lago y lo puede hacer porque en ese momento la zona padecía de una importante sequía que dejó buena parte del lecho del lago al descubierto. El autor contó con un equipo de camiones, tractores y palas mecánicas para construir esta gigantesca espiral orientada en dirección contraria a las agujas de un reloj. La espiral conforma un camino que no conduce a ninguna parte pues lo sugerente es la forma. ¿Un caparazón de un caracol?, ¿una nota musical?, ¿la forma de la proporción aurea que podemos encontrar en la naturaleza? Quien sabe se deja total libertad al espectador para que pueda interpretarla. En este último caso nos encontramos con un problema, la Spiral Jetty no siempre ha estado visible al visitante. En 1972, tan solo dos años después de finalizar la intervención, la zona vivió un episodio de fuertes inundaciones cubriendo la intervención de Smithson por espacio de 30 años. En el 2002 una nueva sequía dejó al descubierto otra vez la obra y la metamorfosis que ésta había experimentado. Para crear su spiral el autor utilizó roca negra de basalto y tierra. El basalto en contacto con la sal de lago y la composición química del estrato del suelo del mismo provocó que el color de la pieza cambiase. Se cumple así uno de los preceptos del trabajo de Smithson y por extensión del Land Art: el paso del tiempo y la erosión de los agentes medioambientales contribuyen a modificar y enriquecer este tipo de obras.

Para saber más:

UNA ESPIRAL EN CONSTANTE TRANSFORMACIÓN

SMITHSON EN SU LABERINTO

SMITHSON FOUNDATION

BIBLIOGRAFÍA.

GOMPERTZ, W. (2013) ¿Qué estás mirando? 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos. Taurus

Enlaces de las imágenes utilizadas:

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/84/Spiral-jetty-from-rozel-point.png

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/9c/Spiraljetty.jpg

ECCE HOMMO GREGORIO FERNÁNDEZ

 

La imagen que puedes ver a la izquierda es el Ecce Homo realizado por Gregorio Fernández entre los años 1611 y 1615 y que se conserva en la Sala Capitular de la Catedral de Valladolid. Se trata de una escultura exenta o de bulto redondo realizada en madera mediante la técnica de talla directa y de iconografía religiosa.

Nos encontramos ante una representación de Cristo de cuerpo entero cubierto con el perizonium o paño de pureza. La figura cruza los brazos sobre el pecho y en su espalda se pueden observar las huellas de la fragelación. La figura rompe la frontalidad al girar la cabeza, una cabeza donde encontramos un rasgo distintivo de los cristos de Gregorio Fernández visible en el cabello que cae sobre los hombros y la barba partida en dos con la que cubre el rostro. Los ojos están confeccionados en vidrio. La talla es igualmente notable por el exhaustivo estudio anatómico observado en el torso fruto de la estancia en Italia de Fernández donde estudia la estatuaria del periodo grecolatino así como la escultura de los autores del Renacimiento italiano entre los que podemos mencionar a Miguel Ángel.

A la derecha puedes ver una imagen de cuerpo entero de esta obra. Observa cómo la influencia de la escultura de la antigüedad clásica se hace notable en las extremidades inferiores de la pieza donde es posible encontrar un contraposto. El apoyo de la figura lo encontramos en la pierna de derecha completamente recta mientras que la pierna izquierda aparece ligeramente separada y con la rodilla flexionada. Este movimiento se observa en la colocación de las caderas consiguiendo así que la parte superior del cuerpo no esté completamente recto sino que se marque una ligera curva. Indicar además, que el vidrio de los ojos no es el único elemento no escultórico pues el paño de pureza, anudado en la cadera derecha como es habitual en los Cristos de Fernández, es también una pieza añadida.

Otro elemento que podemos destacar de la pieza reside en la colocación de los brazos cruzados, la elegante disposición de las manos con una notable carga expresiva, aspecto éste que se observa también en el rostro con el que parece querer transmitir el perdón latente hacia sus verdugos.

Por último, rematamos el análisis comentario con un par de pinceladas del contexto. La imagen propuesta para comentar pertenece al siglo XVII dentro de la corriente artística del Barroco. Este periodo se caracteriza en lo político por la presencia del absolutismo en la monarquía. Destacamos en este caso la figura de Luis XIV en Francia mientras que los monarcas españoles, los Austrias menores, se encuentran bajo la influencia de sus validos. En el plano económico es un periodo complejo con sucesivas crisis que tienen una gran impacto en nuestro país; sin embargo, y pese a todo, es un periodo de gran creatividad a todos los niveles siendo conocido con el sobrenombre del Siglo de Oro español. Por último, con respecto al arte Barroco se caracteriza por el interés en los sentimientos, una puesta en escena teatral y el interés por lograr atmósferas en el plano pictórico mediante el uso de las luces y las sombras.

Para saber más:

V. V. A. A. (1994) Historia Universal del Arte. Barroco y Rococó. Planeta.

GREGORIO FERNANDEZ

Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada:

https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Sculptures_by_Gregorio_Fern%C3%A1ndez#/media/File:Valladolid_-_Museo_Diocesano_y_Catedralicio,_Sala_Capitular_(Ecce_Homo,_de_Gregorio_Fern%C3%A1ndez,_1611-1615).jpg

https://www.google.com/url?sa=i&url=https%3A%2F%2Fwww.pinterest.com%2Fpin%2F746049494497127870%2F&psig=AOvVaw1fcdCXKAtiRXY7s_asfd2H&ust=1619185574890000&source=images&cd=vfe&ved=0CAIQjRxqFwoTCOjthL7-kfACFQAAAAAdAAAAABAY

LAS BAÑISTAS DE CEZANNE

 

La imagen propuesta para comentar es una obra pictórica, óleo sobre lienzo, perteneciente a la edad contemporánea, segunda mitad del siglo XIX avanzado, dentro del pos impresionismo. Nos centramos, a continuación, en la contextualización de la obra. Nos encontramos en pleno desarrollo de la Segunda Revolución Industrial, con la presencia de nuevas fuentes de energía como el petróleo, el gas y la electricidad. Destacamos las clases sociales de la burguesía y el proletariado. Este último, es una clase social más organizada debido a la presencia de organizaciones sindicales que se ponen en marcha. A nivel político, destaca la unificación de Italia y Alemania en Europa junto al auge de los nacionalismos. Además, no podemos olvidarnos de la política imperialista y colonialista fruto de los excedentes de la industria y la necesidad de buscar nuevos mercados por parte de las potencias europeas.

Una vez que hemos contextualizado nuestra obra pasamos al análisis. El tema que se está representando es un paisaje con la presencia de figuras humanas. De hecho, si nos damos cuenta, podemos observar un tercer tema, un improvisado bodegón que están formando dos de las figuras humanas que aparecen en primer término. Centrándonos en los aspectos formales uno de los elementos más destacados es la sensación de espacio. Esta se consigue gracias al empleo, por parte del autor, de formas geométricas básicas: cono, cilindro y esfera que aparecen en todos los elementos que están representados. Otro elemento que contribuye a la sensación espacial es la presencia de un primer plano donde aparecen las mujeres; un segundo plano marcado por un río o estanque; y un tercer plano marcado por el paisaje del fondo. Las líneas compositivas es otro elemento a tener en cuenta. Destacamos dos líneas horizontales paralelas junto con las diagonales que marcan los árboles y recorren los cuerpos de algunas de las bañistas. La zona central aparece despejada con un triángulo que permite observar el paisaje que aparece al fondo.

Otro recurso a tener en cuenta son las luces y sombras, junto con la gama cromática empleada. Ambos elementos se complementan entre sí contribuyendo a reforzar la sensación de volumen de las figuras y contribuyendo, también, a crear la sensación espacial. Otro elemento destacado es la importancia de la pincelada, ancha que permite construir todos los elementos y que servirán como referente de la corriente del Cubismo que aparecerá a comienzos del siglo XX.

Cerramos nuestro análisis haciendo referencia al tratamiento de la figura humana. En ella podemos destacar la presencia de volúmenes rotundos en los que, sin embargo, es posible apreciar cierta conexión o herencia del legado clásico. Ello es debido al tratamiento del desnudo, sutil, que puede recordarnos a los desnudos clásicos de época griega. En cierto sentido podemos decir que estas bañistas realizadas por Cezanne en los últimos años del siglo XIX suponen una actualización de las venus griegas.

Por cierto y a título de curiosidad la obra planteada para el análisis pertenece a las Grandes bañistas de Filadelfia llamadas así porque se conservan en el museo de arte contemporáneo de dicha ciudad. Como sucede con otros temas estrella de Cezanne, caso de la Montaña de Santa Victoria, también de las bañistas realiza varias versiones como las Bañistas de Londres o las bañistas de Chicago de las que puedes leer una breve reseña en el enlace que se indica a continuación:

BAÑISTAS AL AGUA

Para saber más:

ÁLVAREZ LOPERA, J. Mª. (1994) Historia del arte de la Ilustración al Simbolismo. Planeta, Barcelona.

BECKS-MALORNY, U. (2020) Cézanne. Taschen.

REYERO, C. (1992) El arte del siglo XIX. Biblioteca básica del arte. Anaya, Madrid.

ROSENBLUM, R. y JANSON, H.W. (1992)  El arte del siglo XIX. Akal, Madrid.

Enlace de la imagen utilizada:

GRANDES BAÑISTAS

MAÑANA EN EL RIESENGEBIRGE

 

En la presente entrada vamos a realizar un análisis comentario de la obra "Mañana en el Risengebirge" del pintor alemán Caspar David Friedrich que puedes ver a la izquierda.

Comenzamos con la identificación. Se trata de una obra pictórica, óleo sobre lienzo, perteneciente al estilo del Romanticismo, siglo XIX, primera mitad, época contemporánea.

A continuación, nos centramos en el análisis y comenzamos describiendo el tema. El autor pinta un paisaje, tema recurrente en su obra, de amplios horizontes. Es un paisaje formado por estructuras rocosas envueltas en una niebla lo que les otorga cierto halo fantasmal. Observa que la naturaleza es la protagonista. No obstante, la figura humana también está presente, eso sí hay que esforzarse un poco para encontrarla.

Como puedes observar en la imagen de la derecha, encontramos una elevación montañosa en cuya cima aparece representada una imagen de Cristo crucificado acompañado de dos figuras femeninas. Se repite, por tanto, una constante en muchos cuadros pertenecientes al Romanticismo, la magnitud de la naturaleza frente a una representación del ser humano que aparece en un segundo plano o casi imperceptible.

Otro dato a destacar de la obra es la sensación de espacio que, como puedes apreciar, tiene un gran protagonismo. Friedrich sitúa una elevación montañosa cerca del punto de vista del espectador. Esto es importante porque es donde el ojo se centra y le permite fijarse más allá hacia esa línea del horizonte dominado por elevaciones rocosas que ya hemos mencionado.

La sensación de espacio se consigue también con el uso de los colores, las luces y las sombras. Presta atención porque los tonos tierra se encuentran más cerca del espectador, mientras que los tonos fríos se encuentran más alejados. Esto coincide con las sombras que son más acusadas en primer plano mientras que la luz se hace más evidente a medida que el paisaje se aleja de nuestra percepción. Y otro dato a tener en cuenta es la sensación de ritmo o movimiento que se aprecia en las formas sinuosas de los perfiles rocosos.

Un último aspecto que podemos mencionar en el análisis es el carácter expresivo inherente a la corriente. El Romanticismo destaca por expresar sentimientos y emociones. En el caso que nos ocupa Friedrich lo consigue a través de los recursos empleados, es decir, la luz, las sombras, los colores; sin olvidarnos del carácter místico que parece observarse en la montaña de la cruz. Es el paisaje, en definitiva, el que habla y transmite al espectador. Calma, serenidad, tranquilidad o quizás melancolía y tristeza pueden ser algunas de las emociones que podemos captar.

Cerramos nuestro análisis realizando un repaso al contexto. En los aspectos generales, hemos indicado que la obra pertenece a la primera mitad del siglo XIX. Pleno desarrollo de la Primera Revolución Industrial con importantes cambios a nivel económico y social. Presencia de nuevas fuentes de energía y puesta en marcha de una profunda transformación a nivel urbano. Con respecto a los aspectos concretos del contexto, hemos situado la obra analizada dentro del Romanticismo corriente que aparece entre finales del siglo XVIII y principios del XIX teniendo su máximo desarrollo durante la primera mitad del periodo decimonónico. El Romanticismo tiene su vertiente literaria y musical y en el caso de lo pictórico encontramos representantes en Francia como Gericault o Delacroix; Alemania como Caspar David Friedrich; e incluso en España donde algunas obras de Francisco de Goya pueden considerarse dentro de dicha corriente. Un estilo artístico el Romanticismo que busca emocionar al espectador con el paisaje, los temas de carácter histórico o la inspiración de carácter literario entre otros muchos temas y que nace en oposición a los postulados de vuelta al orden defendidos por el Neoclasicismo.

Para saber más:

CASPAR DAVID FRIEDRICH

ÁLVAREZ LOPERA, J. Mª. (1994) Historia del arte de la Ilustración al Simbolismo. Planeta, Barcelona.

REYERO, C. (1992) El arte del siglo XIX. Biblioteca básica del arte. Anaya, Madrid.

ROSENBLUM, R. y JANSON, H.W. (1992)  El arte del siglo XIX. Akal, Madrid.

WOLF, N. (2008) Romanticismo. Taschen Edición Diario El País, Madrid.

Enlaces de las imágenes utilizadas

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/0b/Friedrich%2C_Caspar_David_-_Morgen_im_Riesengebirge.jpg

ANÁLISIS DE IMAGEN

 

Comenzamos con la identificación. La imagen propuesta para analizar es una obra gráfica, una ilustración de un libro, con cierta inspiración medieval, realizado en el siglo XIX, más concretamente, a finales de dicho periodo.

Nos centramos en el análisis conceptual e iconográfico. Ocupando la zona central de la composición, aproximadamente, aparece una escena narrativa formada por tres hombres adultos, un bebé varón y dos mujeres. Todos los personajes aparecen en el un entorno paisajístico. El párrafo que aparece en el recuadro en la zona inferior de la izquierda nos ofrece información de la temática una historia conectada con las leyendas del Rey Arturo. En nuestro caso el mago Merlín acogiendo bajo su protección a al bebé Arturo que en el futuro acabará convertido en rey.

A continuación nos centramos en el análisis técnico. En este caso podemos comenzar hablando de cómo está compuesta la página. Nos encontramos con un borde donde aparecen motivos vegetales y figuras de dragones muy estilizadas que aparecen entrelazadas. En el margen inferior izquierda de dicho borde encontramos un recuadro donde se nos narra la historia que está teniendo lugar. Todo el marco encuadra la escena narrativa principal.

Nos centramos en la escena principal en este caso la clave es comentar cómo se consigue la sensación de espacio. Es interesante indicar varios aspectos:

1-La presencia de dos árboles, uno más cerca del punto de vista del espectador y otro más alejado que enmarcan a los personajes principales. Las ramas del primer árbol cruzan la composición conectando con las ramas de otro árbol que aparece a la derecha de la composición.

2-La importancia de la luz. Se observa en el tronco de los árboles ya mencionados, en las vestiduras de Merlín y de las dos mujeres, la armadura que visten los soldados que escoltan a las mujeres y la estructura arquitectónica que aparece al fondo marcando una línea de horizonte.

3-Uso de los blancos y negros. Los blancos aparecen en aquellos aspectos donde más incide la luz. El negro, trabaja con toda la gama, aparece en la vegetación que enmarca a los personajes.

4-Más referencias espaciales. Al margen de lo ya comentado es importante indicar también sensación de espacio en el camino sinuoso que aparece a nuestra izquierda que desemboca en un pueblo o villa recortado por un grupo de montañas que aparecen al fondo.

5-Conexión figuras y atención a los detalles. Las figuras principales de Merlín, el bebé y las mujeres están dispuestos en una composición circular. La conexión es evidente por la figura del bebé y también por cómo la doncella o dama de compañía sujeta parte del vestido de su señora. En cuanto a los detalles destaca la minuciosidad con que aparecen representados tanto los motivos de carácter vegetal de la escena principal como los motivos que se encuentran decorando el marco donde es posible hablar de horror vacui u horror al vacío.

Cerramos nuestro análisis haciendo referencia al contexto y los aspectos estéticos. Nos centramos en primer lugar en los aspectos estéticos. Como hemos indicado la imagen presenta una clara conexión con el mundo medieval. En este sentido la disposición de la página nos recuerda a las páginas de borde y los lacertines que eran frecuentes en las miniaturas celtas anterior al comienzo del periodo medieval. Además, conecta con las ilustraciones que se realizan en el seno de la Arts & Crafts de William Morris pues recuperan el gusto por la estética medieval y las leyendas o historias ambientadas en dicho periodo siempre desde una reinterpretación propio del arte y la literatura del siglo XIX.

Por último, dentro del contexto. Hemos indicado que la imagen fue realizada en el siglo XIX, periodo bajo la influencia de dos Revoluciones Industriales que en la primera mitad de la centuria originarán una transformación económica y social, destacando un cambio en el urbanismo de las ciudades y nuevas materiales en la construcción; mientras que en lo social supondrá el surgimiento de la burguesía y el proletariado estos últimos cada vez mejor organizados a medida que avanza el siglo.

En la segunda mitad del periodo decimonónico, se pondrán en marcha importantes cambios a nivel político como la presencia de procesos de unificación en Italia y Alemania, así como la puesta en marcha de una política imperialista y colonialista en África y en determinadas zonas de Asia. Todo ello sin olvidarnos de la presencia de nuevas fuentes de energía como el carbón, el petróleo, el gas y la electricidad.

En cuanto al autor de la obra analizada se trata de Aubrey Beardsley ilustrador británico activo que en las últimas décadas del siglo XIX que destaca por trabajos como las ilustraciones para Salomé obra escrita por Oscar Wilde que llamaron la atención por su gusto por lo exótico, el uso de los blancos y negros y su osadía en su puesta en escena.

Algún dato más:

AUBREY BEARDSLEY

SALOMÉ

ANÁLISIS MOSAICO

 

En la presente entrada vamos a realizar un análisis comentario de un mosaico.

Comenzamos con la identificación, se trata de una obra pictórica, un mosaico, realizado en un periodo intermedio entre el final del Imperio romano y el comienzo de la Edad Media.

A continuación nos vamos a centrar en el contexto y los aspectos estéticos. Los mosaicos son conocidos en la época antigua siendo utilizados en primer lugar por los griegos y posteriormente adoptados por los romanos. Estos últimos utilizaban los mosaicos para decorar el pavimento de las casas y, en concreto, de aquellas zonas más destacadas. Los temas que solían aparecer estaban relacionadas con la mitología escenas de dioses o de carácter cotidiano como escenas de caza. En el siglo IV cuando el emperador Constantino promulga el Edicto de Milán y el cristianismo se convierte en religión oficial del Imperio, los cristianos adoptan el mosaico si bien ellos en lugar de colocarlo en el suelo lo utilizarán para decorar los ábsides o bóvedas de los edificios religiosos, sean estos basílicas, o funerarios los llamados mausoleos destinados a albergar los restos de gente importante en la sociedad romana.

Nos movemos, por tanto, en un periodo en el que el Imperio romano está viviendo sus últimos compases antes de producirse su colapso que llevará a la escisión del mismo en dos zonas: imperio romano de Occidente con capital en Roma e imperio romano de Oriente con capital en Bizancio.

Contextualizada la obra nos centramos en el análisis conceptual e iconográfico. El tema que está representado pertenece a la iconografía religiosa. Vemos a un joven sentado rodeado de ovejas. Observamos que el joven en lugar de apoyarse en un cayado se apoya en una cruz. Se trata de una representación de Jesús como el buen pastor que toma como referente las primitivas representaciones que podemos observar en las catacumbas donde era posible encontrar a un joven portando una oveja sobre sus hombros.

Por último, nos centramos en el análisis técnico. Debemos hablar de jerarquía pues la figura de Jesús aparece más alta que el resto y ocupa el centro de la composición marcando a su vez un eje de simetría que permite dividir la composición en dos partes. Indicar también que podemos observar motivos vegetales para situar la escena en un escenario concreto si bien no podemos apreciar sensación de profundidad. Si podemos hablar se cierto sentido del espacio observado en la colocación de cada una de las ovejas a diferentes alturas. Con respecto a la luz esta incide tanto en las ovejas como en la figura de Jesús. La paleta es reducida si bien la gama cromática se encuentra equilibrada.

Un último detalle a tener en cuenta reside en las influencias posteriores que podemos encontrar y estas se observan en el hecho de que influye en las representaciones pictóricas que encontraremos en el arte medieval tanto en la pintura mural como en las miniaturas aunque la imagen que se proyecte de la figura de Jesús en cada una de ellas no sea tan amable como la que podemos apreciar en la imagen propuesta.

Para saber un poco más:

Enlace de la imagen utilizada en la presente entrada:

https://es.wikipedia.org/wiki/Mausoleo_de_Gala_Placidia#/media/Archivo:Meister_des_Mausoleums_der_Galla_Placidia_in_Ravenna_002.jpg