ANÁLISIS DE IMAGEN

 

Comenzamos con la identificación. La imagen propuesta para analizar es una obra gráfica, una ilustración de un libro, con cierta inspiración medieval, realizado en el siglo XIX, más concretamente, a finales de dicho periodo.

Nos centramos en el análisis conceptual e iconográfico. Ocupando la zona central de la composición, aproximadamente, aparece una escena narrativa formada por tres hombres adultos, un bebé varón y dos mujeres. Todos los personajes aparecen en el un entorno paisajístico. El párrafo que aparece en el recuadro en la zona inferior de la izquierda nos ofrece información de la temática una historia conectada con las leyendas del Rey Arturo. En nuestro caso el mago Merlín acogiendo bajo su protección a al bebé Arturo que en el futuro acabará convertido en rey.

A continuación nos centramos en el análisis técnico. En este caso podemos comenzar hablando de cómo está compuesta la página. Nos encontramos con un borde donde aparecen motivos vegetales y figuras de dragones muy estilizadas que aparecen entrelazadas. En el margen inferior izquierda de dicho borde encontramos un recuadro donde se nos narra la historia que está teniendo lugar. Todo el marco encuadra la escena narrativa principal.

Nos centramos en la escena principal en este caso la clave es comentar cómo se consigue la sensación de espacio. Es interesante indicar varios aspectos:

1-La presencia de dos árboles, uno más cerca del punto de vista del espectador y otro más alejado que enmarcan a los personajes principales. Las ramas del primer árbol cruzan la composición conectando con las ramas de otro árbol que aparece a la derecha de la composición.

2-La importancia de la luz. Se observa en el tronco de los árboles ya mencionados, en las vestiduras de Merlín y de las dos mujeres, la armadura que visten los soldados que escoltan a las mujeres y la estructura arquitectónica que aparece al fondo marcando una línea de horizonte.

3-Uso de los blancos y negros. Los blancos aparecen en aquellos aspectos donde más incide la luz. El negro, trabaja con toda la gama, aparece en la vegetación que enmarca a los personajes.

4-Más referencias espaciales. Al margen de lo ya comentado es importante indicar también sensación de espacio en el camino sinuoso que aparece a nuestra izquierda que desemboca en un pueblo o villa recortado por un grupo de montañas que aparecen al fondo.

5-Conexión figuras y atención a los detalles. Las figuras principales de Merlín, el bebé y las mujeres están dispuestos en una composición circular. La conexión es evidente por la figura del bebé y también por cómo la doncella o dama de compañía sujeta parte del vestido de su señora. En cuanto a los detalles destaca la minuciosidad con que aparecen representados tanto los motivos de carácter vegetal de la escena principal como los motivos que se encuentran decorando el marco donde es posible hablar de horror vacui u horror al vacío.

Cerramos nuestro análisis haciendo referencia al contexto y los aspectos estéticos. Nos centramos en primer lugar en los aspectos estéticos. Como hemos indicado la imagen presenta una clara conexión con el mundo medieval. En este sentido la disposición de la página nos recuerda a las páginas de borde y los lacertines que eran frecuentes en las miniaturas celtas anterior al comienzo del periodo medieval. Además, conecta con las ilustraciones que se realizan en el seno de la Arts & Crafts de William Morris pues recuperan el gusto por la estética medieval y las leyendas o historias ambientadas en dicho periodo siempre desde una reinterpretación propio del arte y la literatura del siglo XIX.

Por último, dentro del contexto. Hemos indicado que la imagen fue realizada en el siglo XIX, periodo bajo la influencia de dos Revoluciones Industriales que en la primera mitad de la centuria originarán una transformación económica y social, destacando un cambio en el urbanismo de las ciudades y nuevas materiales en la construcción; mientras que en lo social supondrá el surgimiento de la burguesía y el proletariado estos últimos cada vez mejor organizados a medida que avanza el siglo.

En la segunda mitad del periodo decimonónico, se pondrán en marcha importantes cambios a nivel político como la presencia de procesos de unificación en Italia y Alemania, así como la puesta en marcha de una política imperialista y colonialista en África y en determinadas zonas de Asia. Todo ello sin olvidarnos de la presencia de nuevas fuentes de energía como el carbón, el petróleo, el gas y la electricidad.

En cuanto al autor de la obra analizada se trata de Aubrey Beardsley ilustrador británico activo que en las últimas décadas del siglo XIX que destaca por trabajos como las ilustraciones para Salomé obra escrita por Oscar Wilde que llamaron la atención por su gusto por lo exótico, el uso de los blancos y negros y su osadía en su puesta en escena.

Algún dato más:

AUBREY BEARDSLEY

SALOMÉ

ANÁLISIS MOSAICO

 

En la presente entrada vamos a realizar un análisis comentario de un mosaico.

Comenzamos con la identificación, se trata de una obra pictórica, un mosaico, realizado en un periodo intermedio entre el final del Imperio romano y el comienzo de la Edad Media.

A continuación nos vamos a centrar en el contexto y los aspectos estéticos. Los mosaicos son conocidos en la época antigua siendo utilizados en primer lugar por los griegos y posteriormente adoptados por los romanos. Estos últimos utilizaban los mosaicos para decorar el pavimento de las casas y, en concreto, de aquellas zonas más destacadas. Los temas que solían aparecer estaban relacionadas con la mitología escenas de dioses o de carácter cotidiano como escenas de caza. En el siglo IV cuando el emperador Constantino promulga el Edicto de Milán y el cristianismo se convierte en religión oficial del Imperio, los cristianos adoptan el mosaico si bien ellos en lugar de colocarlo en el suelo lo utilizarán para decorar los ábsides o bóvedas de los edificios religiosos, sean estos basílicas, o funerarios los llamados mausoleos destinados a albergar los restos de gente importante en la sociedad romana.

Nos movemos, por tanto, en un periodo en el que el Imperio romano está viviendo sus últimos compases antes de producirse su colapso que llevará a la escisión del mismo en dos zonas: imperio romano de Occidente con capital en Roma e imperio romano de Oriente con capital en Bizancio.

Contextualizada la obra nos centramos en el análisis conceptual e iconográfico. El tema que está representado pertenece a la iconografía religiosa. Vemos a un joven sentado rodeado de ovejas. Observamos que el joven en lugar de apoyarse en un cayado se apoya en una cruz. Se trata de una representación de Jesús como el buen pastor que toma como referente las primitivas representaciones que podemos observar en las catacumbas donde era posible encontrar a un joven portando una oveja sobre sus hombros.

Por último, nos centramos en el análisis técnico. Debemos hablar de jerarquía pues la figura de Jesús aparece más alta que el resto y ocupa el centro de la composición marcando a su vez un eje de simetría que permite dividir la composición en dos partes. Indicar también que podemos observar motivos vegetales para situar la escena en un escenario concreto si bien no podemos apreciar sensación de profundidad. Si podemos hablar se cierto sentido del espacio observado en la colocación de cada una de las ovejas a diferentes alturas. Con respecto a la luz esta incide tanto en las ovejas como en la figura de Jesús. La paleta es reducida si bien la gama cromática se encuentra equilibrada.

Un último detalle a tener en cuenta reside en las influencias posteriores que podemos encontrar y estas se observan en el hecho de que influye en las representaciones pictóricas que encontraremos en el arte medieval tanto en la pintura mural como en las miniaturas aunque la imagen que se proyecte de la figura de Jesús en cada una de ellas no sea tan amable como la que podemos apreciar en la imagen propuesta.

Para saber un poco más:

Enlace de la imagen utilizada en la presente entrada:

https://es.wikipedia.org/wiki/Mausoleo_de_Gala_Placidia#/media/Archivo:Meister_des_Mausoleums_der_Galla_Placidia_in_Ravenna_002.jpg

INFORME ARTÍSTICO II

 En la presente entrada vamos a realizar un nuevo informe artístico con las imágenes que se proponen a continuación:

Comenzamos nuestro informe identificando ambas imágenes. En ambos casos nos encontramos con obras escultóricas. Son esculturas exentas o de bulto redondo. La imagen que aparece más a nuestra izquierda pertenece a la edad antigua, arte griego, es el Auriga de Delfos. La imagen que aparece más a nuestra derecha pertenece a la edad moderna, arte barroco español se trata de El arcángel San Miguel venciendo al demonio obra de La Roldana.

Una vez identificadas pasamos a hablar de las técnicas y materiales empleados nos centramos, en primer lugar en el Auriga de Delfos. La obra está realizada utilizando el bronce como material. El bronce presenta un proceso previo donde se modela la pieza por tanto hablamos de técnica aditiva. Ten en cuenta que el bronce no se puede tallar. Una vez realizado el modelado procedemos a obtener la pieza definitiva mediante el empleo de moldes. Como hemos indicado la pieza pertenece al arte griego de manera que la técnica utilizada es, presumiblemente, a la cera perdida. Esta técnica consiste en verter el bronce en el interior de un molde el cual deberemos romper para poder sacar la pieza. La función de la cera es crucial en el proceso pues al entrar el bronce la cera sale por unos orificios practicados al efecto. Otro elemento a tener en cuenta debido al tamaño que observamos en la pieza es el hecho de que, posiblemente, cada una de las piezas que conforman la figura han sido realizadas por separado para proceder a su posterior ensamblado.

Como puedes ver en el detalle que aparece a la izquierda en la antigua Grecia en las esculturas realizadas en bronce se trabajaban los ojos utilizando pasta vítrea de este modo se lograba transmitir una mayor sensación de verismo en las esculturas. También aparecen policromadas, por ejemplo, en el cabello o en los labios. En el caso que nos ocupa, además, es importante indicar la pátina que ha adquirido el metal con el paso del tiempo y ello es debido a que esta obra ha llegado hasta nosotros gracias a formar parte de los restos de un naufragio.

Cerramos nuestro informe contextualizando la pieza. En Grecia distinguimos entre escultura monumental (relieves) y escultura exenta. Los relieves los encontramos decorando los templos y el material en el que están realizados es mármol policromado. En cambio la mayor parte de las esculturas exentas griegas fueron realizadas en bronce. Lo llamativo son los pocos ejemplos que nos han llegado de este material hasta nuestros días. La razón no es otra que al convertirse Grecia en una provincia más del Imperio romano se optó por fundir buena parte de las esculturas realizadas en bronce si bien antes de realizar dicha operación los romanos contrataban los servicios de escultores griegos para realizar copias en mármol. Ese es el motivo por el que obras tan destacadas como el Discóbolo, el Doríforo o el Laocoonte, entre otras, nos hayan llegado en mármol.

Otro elemento a destacar es el hecho de que piezas como la que nos ocupan hayan sobrevivido a los avatares de la historia lo que nos permite apreciar la maestría de que gozaban los escultores griegos. Como se puede apreciar en el Auriga no se escatiman en detalles desde las texturas del cabello, pasando por la expresión del rostro y sin olvidar la geometría que podemos observar en el drapeado de la túnica que viste y que recuerda a las acanaladuras de los fustes de las columnas griegas.

Completamos ahora el informe de la segunda imagen que puedes ver a la derecha. En este caso el material utilizado es madera y la técnica utilizada es talla directa. A diferencia de lo que sucede con la piedra donde de un único bloque podemos "liberar" como decía Miguel Ángel a la escultura, en el caso de la madera se emplean diferentes fragmentos para realizar cada una de las partes del cuerpo de una figura, partes que serán posteriormente ensambladas.

En el caso de la talla en madera y al ser esta una obra del siglo XVII, es decir, Barroco, es importante poner en valor la policromía como vehículo con el que dotar de verosimilitud a la pieza. En este caso debe indicarse que el conjunto escultórico ha recuperado el esplendor debido a que ha sido sometida a una importante labor de restauración.

A destacar de la policromía las calidades conseguidas en el tratamiento del cuerpo del demonio que aparece a los pies del arcángel, así como las partes de éste que aparecen descubiertas. También indicar la textura conseguida en las alas imitando a las de un ave. Indicar igualmente que la paleta de color utilizada destaca por la presencia de colores primarios, rojo, azul, amarillo y en general un empleo de gamas equilibrado.

Cerramos nuestro informe sobre la pieza de La Roldana haciendo referencia al contexto. La obra se incluye dentro del Barroco destacando la enorme expresividad de ambas figuras (destacando la torsión del demonio) que se encuentran unidas a través de una cadena y también mediante el juego de miradas. Es una pieza que encaja con la época en la que fue realizada pues durante el Barroco el arte busca ser moralizante hacia el espectador, el triunfo del bien frente al mal.

Aunque lo más llamativo de esta pieza reside en su autora Luisa Roldán apodada La Roldana es una de las escultoras más importantes del Barroco español cuya figura, en los últimos años, se está posicionando en el lugar que merece. Pese a no poder firmar ningún contrato de obra, es decir, no estaba permitido a la mujer en el siglo XVII que pudiese firmar los contratos de las obras en las que iba a trabajar, La Roldana consiguió ser nombrada escultora de corte del mismo Carlos II "el hechizado"; eso y ser la artífice de una obra de gran envergadura que no tiene nada que envidiar a las tallas realizadas por sus coetáneos masculinos.

Para saber un poquito más:

EL ARCÁNGEL SAN MIGUEL VENCIENDO AL DEMONIO 

Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada:

https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Charioteer_of_Delphi#/media/File:%22Delphi_als_Mittelpunkt_der_Welt%22_-_so_sahen_das_die_Menschen_in_der_Antike._05.jpg

https://historia-arte.com/_/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvNjRhOTJlOTM2NzI1ZC5qcGciLCJyZXNpemUsMjAwMCwyMDAwIl19.jbb-3lVQyzoXJ_ZlFnfnDQvHxn21zGjpoLOZiGm5smk.jpg

ANÁLISIS DE TRES OBRAS DE ILUSTRACION SEGUNDO CURSO

 En la presente entrada se proponen el análisis comentario de las siguientes imágenes:

IMAGEN 1.

Comenzamos nuestro análisis con la identificación. Se trata de una obra gráfica, una ilustración, realizada en la segunda mitad del siglo XIX conectada con la corriente del Art Nouveau. La imagen se llama “árbol y valle” y el autor es Gisbert Gombaz.

A continuación, nos centramos en el análisis conceptual e iconográfico. Lo que vemos es un paisaje con un árbol en primer término y unas pequeñas elevaciones montañosas al fondo.

Análisis técnico. Al observar la obra nos damos cuenta que se otorga una gran importancia al dibujo que permite construir la sensación espacial. Dicho efecto se consigue al construir varios planos, los motivos vegetales en verde y el árbol que aparece en primer término subiendo hacia arriba; y el segundo plano que viene marcado por las elevaciones montañosas del fondo. La sensación espacial viene determinada también por la combinación de colores que, aunque restringida en negro, grises y marrones ayudan a crear dicho efecto. La combinación de líneas y colores junto con el empleo de líneas curvas nos permite conectarlo con la tradición de los Ukiyo-E. Además, la presencia de las curvas nos permite hablar de ritmo compositivo.

Cerramos el análisis con los aspectos estéticos y contexto, en el primer caso podemos indicar la clara influencia que los Ukiyo-E originan en las obras pictóricas de la segunda mitad del siglo XIX. En cuanto al contexto podemos hablar del desarrollo de la segunda Revolución industrial marcado por la política imperialista y colonialista, así como la presencia de nuevas fuentes de energía tales como el gas, el petróleo o la electricidad. Tampoco debemos olvidar que en el plano social destacamos la burguesía y el proletariado el segundo cada vez más organizado reivindicando sus derechos.

IMAGEN 2.

Se trata de una obra gráfica, una ilustración, realizada entre finales del siglo XIX muy principios del siglo XX. Es una ilustración de la obra Salomé realizada por el británico Aubrey Breadsley.

Análisis conceptual e iconográfico. Es una iconografía de carácter religioso pues hace referencia a Salomé un personaje del Nuevo Testamento. Salomé es una mujer que pide obtener la cabeza de San Juan Bautista como premio por el baile ejecutado ante su padrastro Herodes. La función de la imagen es ilustrar el libro Salomé escrito por Oscar Wilde. Debemos indicar, además, que la ilustración recibe el nombre de "Clímax" pues hace referencia al momento en el que Salomé ha recibido la cabeza del Bautista.

Análisis técnico. La ilustración juega con el blanco y el negro debido al empleo de tinta china como técnica lo que conecta esta obra con la estética oriental. La sensación espacial viene dada por la construcción del espacio destacando en la zona inferior un fondo negro que resalta motivos en blanco de carácter vegetal. Mientras que la zona superior juega con el fondo blanco y algunos detalles en negro; en esta zona se observa la presencia de los dos personajes principales Salomé que sostiene entre sus manos la cabeza de San Juan Bautista.

En cuanto a líneas compositivas destaca el empleo de curvas llamando la atención una forma curva que conecta los dos planos tanto el inferior como el superior. Curvas se observan además en los personajes destacando un claro efecto rítmico a nivel compositivo.

Con respecto al tratamiento de los personajes se observa conexión entre ellos. Salomé sostiene la cabeza del Bautista y además conectan con la mirada estableciendo una conexión entre lo erótico y lo morboso.

Cerramos el análisis con los aspectos estéticos y contexto. En el primer apartado debe indicarse la influencia de la estética oriental tanto por el interés otorgado a las líneas como por la estética que envuelve toda la escena subrayado por la técnica empleada.

En cuanto al contexto, podemos hablar del desarrollo de la segunda Revolución industrial marcado por la política imperialista y colonialista, así como la presencia de nuevas fuentes de energía tales como el gas, el petróleo o la electricidad. Destacando a nivel social las dos clases relevantes como son el proletariado y la burguesía destacando los primeros consiguiendo cada vez más logros sociales.

IMAGEN 3.

Se trata de una obra gráfica, una ilustración, imagen de un cuento infantil más concretamente, realizada en el siglo XIX, época contemporánea. Ilustración de Walter Crane.

A continuación, vamos a contextualizar la obra. La imagen propuesta para analizar se encuentra ubicada en el periodo decimonónico marcado por dos Revoluciones Industriales que van a provocar una auténtica transformación económica y social. Un periodo que en el plano político aparece marcado en el caso de Gran Bretaña por la época victoriana destacando además, por la puesta en marcha de los procesos de unificación de Italia y Alemania, así como la política imperialista y colonialista que provoca que las principales potencias europeas se repartan el continente africano.

Contextualizada la imagen nos centramos en el análisis destacando en primer lugar el análisis conceptual e iconográfico. Lo que vemos representado es un interior lo que parece una cocina donde encontramos una niña inclinada sobre la mesa para comer el contenido que aparece dentro de un cuenco. Se trata de un pasaje del cuento infantil Rizitos de oro.

A continuación nos centramos en los aspectos técnicos. Lo primero que destacamos es la construcción espacial que viene dado por los siguientes elementos: la presencia de una amplia mesa que proyecta dos amplias diagonales paralelas que conectan el punto de vista del espectador con los elementos que observamos en el fondo de la estancia una alacena donde aparecen los objetos necesarios en una cocina. También podemos hablar del diseño del suelo con la presencia de un baldosado combinados dos colores como un tablero de ajedrez. Y un tercer elemento que podemos destacar es la figura de la niña que aparece inclinada sobre la mesa.

En cuanto a la distribución de la ilustración se otorga gran importancia a la imagen mientras que el texto aparece en un recuadro en la zona inferior de la composición narrando aspecto esencial de lo que está teniendo lugar en la escena.

Por otra parte la gama cromática aparece equilibrada dando importancia al amarillo que aparece en la cabellera y vestido de nuestra protagonista, así como la luz que destaca tanto en la niña como en el mantel con el que se cubre la mesa.

Por último, en cuanto a los aspectos estéticos, indicar que el autor de la ilustración Walter Crane es uno de los artistas que se encuentran vinculados al ámbito del Arts & Crafts corriente artística liderada por William Morris convirtiéndose Crane en uno de sus colaboradores habituales. Si bien, al margen de Morris, Crane destaca por su prolífica labor como ilustrador de cuentos infantiles destacando por un dibujo con una puesta en escena llena de detalles con los que atraer la atención del espectador.

Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada:

https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Gisbert_Combaz#/media/File:Gisbert_Combaz_-_Tree_&_Valley_1898.jpg

https://en.wikipedia.org/wiki/The_Climax_(illustration)#/media/File:Aubrey_Beardsley_-_The_Climax.jpg

ANÁLISIS TEMPLO EGIPCIO

 

En la presente entrada proponemos un análisis comentario de un edificio egipcio.

Comenzamos con la identificación. Nos encontramos ante una obra arquitectónica, un templo, tipología religiosa, realizado en la edad antigua y perteneciente al estilo egipcio.

Vamos a trabajar el contexto. Como hemos indicado en la identificación que es un edificio que pertenece al arte egipcio, lo primero que vamos a hacer es ubicarlo geográficamente. Egipto se encuentra en el continente africano y se encuentra recorrido por el río Nilo que afecta todas las cuestiones relacionadas con la vida diaria de los antiguos egipcios. El Nilo sufre inundaciones periódicas que fertilizan los campos garantizando así las cosechas motor principal de la sociedad egipcia. Una sociedad que está muy jerarquiza supervisada por el Faraón, seguido de los sacerdotes y altos funerarios, el cuerpo militar, artesanos y campesinos. Destacan, además, por tener una religión politeísta, es decir, con una gran variedad de dioses y diosas, y una firme creencia en la vida del más allá.

Una vez que tenemos contextualizada la imagen pasamos al análisis. En primer lugar nos centramos en los materiales utilizados. Hay que tener en cuenta que, al tratarse de un edificio de carácter religiosos, la piedra es el material utilizado en su construcción. En el antiguo Egipto la piedra, que importaban y transportaban por el Nilo, era un material valioso que solo utilizaban en la construcción de edificios religiosos y de carácter funerario. Para el resto de construcciones, viviendas y palacios, el material empleado era el adobe.

A continuación, nos centramos en los elementos sustentantes, muros gruesos y en talud y las columnas de grandes dimensiones y decoradas con jeroglíficos. Un elemento a destacar es el colosalismo en la arquitectura egipcia y ello es debido que, al contrario de los griegos, los egipcios no tienen en cuenta la medida del hombre a la hora de construir sus edificios. Con respecto a los elementos sustentados, es decir, las cubiertas, en los templos egipcios nos encontramos techumbre plana, artesonado.

Otro elemento a destacar es el tipo de templo, es un templo exento, es decir, construido y no está excavado en roca, es decir, no es un speo que es el nombre otorgado a los templos excavados. 

En el análisis de un templo egipcio hay que tener en cuenta las partes de que consta. Exteriormente los templos están recorridos por una muralla que tiene por función marcar la zona como un lugar sagrado. Antes de llegar al templo tenemos que pasar por la avenida de las efinges que son las encargadas de custodiar y proteger el edificio. A continuación nos encontramos un obelisco decorado con jeroglíficos que aportan datos sobre la construcción del edificio. Tras el obelisco aparece la puerta flanqueada por los pilonos que son los elementos que puedes ver en la imagen.

Traspasada la puerta de acceso pasamos por la sala hípetra recorrida por columnas que presenta una cubierta parcial. A continuación aparece la sala hipóstila también recorrida por columnas y, a diferencia de la hípetra, aparece completamente cubierta. Tras ella la sala de la barca o santuario donde se encuentra la imagen del dios y por último la sala del tesoro donde se depositan las ofrendas. Debe indicarse que el acceso al interior de los templos egipcios estaba restringido a los sacerdotes encargados de cuidarlo.

Cerramos el análisis haciendo referencia a la ornamentación que en el caso que nos ocupa estaría compuesto por relieves, es decir, los jeroglíficos que recorren las columnas y esculturas como las que podemos ver en la imagen.

Os dejo un vídeo para descubrir más cosas sobre los templos egipcios:

ANÁLISIS COMENTARIO CÚPULA SANTA MARIA DE LAS FLORES

 

Proponemos un análisis comentario de la siguiente imagen. Comenzamos con la identificación. Se trata de una obra arquitectónica, es un edificio de carácter religioso realizado en la Edad Moderna dentro del arte del Renacimiento italiano. Es la cúpula de Santa María de las Flores de Florencia obra de Brunelleschi.

Nos centramos en el análisis y lo primero en lo que nos vamos a centrar es que la Catedral de Santa María de las Flores o el Duomo de Florencia cuya imagen completa puedes ver a la derecha es un edificio curioso.

La estructura de la iglesia fue construida en el siglo XIV mientras que la cúpula no fue construida hasta el siglo XV. 

Para la construcción de la cúpula se convoca un concurso de ideas siendo Brunelleschi, orfebre de profesión, el encargado de llevar a cabo tamaña tarea.

Para el diseño de la cúpula se emplea una estructura doble, es decir, una cúpula exterior que aparece construida en ladrillo recorrida por nervios de piedra y que se complementa por una estructura interna realizada en madera que actúa como contrafuerte para contrarrestar los empujes de la bóveda externa. Esta manera de construir la cúpula recibe el nombre de cúpula de doble casco. 

Para construir esta cúpula Brunelleschi su autor toma como referencia la arquitectura de la antigua Roma y, en especial, la cúpula del Panteón de Roma. A diferencia de ésta que aparece abierta por un óculo, la cúpula de Santa María de las Flores aparece cerrada por una linterna que permite a su vez canalizar los empujes hacia la zona inferior, hacia el tambor poligonal que permite su sujeción.

En cuanto a los materiales utilizados, junto al ladrillo destaca el empleo de piedra, mármol combinando el blanco y el verde que se observa en toda la estructura externa del edificio. Y debe destacarse la influencia que esta cúpula tendrá con posterioridad destacando, por ejemplo, que Miguel Ángel tuvo en cuenta el diseño para construir la cúpula de San Pedro del Vaticano.

Cerramos el análisis haciendo una referencia al contexto. Como hemos indicado es una obra perteneciente al Renacimiento italiano corriente artística que aparece en el siglo XV en la península itálica organizada en base a ciudades estado dirigidas y organizadas por familia con poder. Cada una de esas familias presentan conocimientos de política, economía y estrategia militar y, además, con conocimientos sobre arte pues muchos de ellos actúan como mecenas.

La palabra Renacimiento significa renacer una vuelta al legado grecorromano que se hace visible en la filosofía, literatura y por supuesto en el apartado artístico. Además, este estilo artístico conecta con el humanismo al considerar al hombre como centro de todo desplazando al teocentrismo imperante durante el periodo medieval.

Por si te tienes más interés sobre el edificio:

LOS SECRETOS DEL DUOMO

Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada:

https://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Santa_Mar%C3%ADa_del_Fiore#/media/Archivo:View_of_Santa_Maria_del_Fiore_in_Florence.jpg

ANÁLISIS COMENTARIO BASÍLICA DE SAN LORENZO

 

En la presente entrada vamos a realizar un análisis del interior de la Basílica de San Lorenzo imagen que puedes ver a la izquierda.

Comenzamos con la identificación. Se trata de una obra arquitectónica, el interior de una basílica, perteneciente al estilo del Renacimiento, realizada en la Edad Moderna. En cuanto a la tipología es un edificio de carácter religioso. En la actualidad sigue conservando su función original, celebración de cultos, y además es considerado un edificio de interés turístico que se puede visitar.

A continuación, vamos a contextualizar la obra. Es una obra perteneciente al Renacimiento italiano corriente artística que aparece en el siglo XV en la península itálica organizada en base a ciudades estado dirigidas y organizadas por familia con poder. Cada una de esas familias presentan conocimientos de política, economía y estrategia militar y, además, con conocimientos sobre arte pues muchos de ellos actúan como mecenas.

La palabra Renacimiento significa renacer una vuelta al legado grecorromano que se hace visible en la filosofía, literatura y por supuesto en el apartado artístico. Además, este estilo artístico conecta con el humanismo al considerar al hombre como centro de todo desplazando al teocentrismo imperante durante el periodo medieval.

Una vez contextualizada la imagen pasamos al análisis. En primer lugar analizamos la estructura, nos encontramos ante una iglesia de planta rectangular que presenta una división en tres naves una central y dos laterales. La nave central está recorrida por columnas que sostienen arcos de medio punto permitiendo el paso a las naves laterales. La nave central presenta dos alturas la inferior con las columnas y los arcos y la superior con ventanas. Además, observamos una cubierta plana, un artesonado cubierto con casetones. En las naves laterales podemos observar un sistema de cubierta abovedado.

En cuanto a los materiales destaca el empleo de piedra. Los elementos sustentantes son los muros, si bien lo que más destaca en la imagen que observamos es el empleo de columnas y pilastras estas últimas en las naves laterales.

Otro aspecto a destacar es que el edificio supone una aplicación práctica de la perspectiva artificialis propia del Renacimiento italiano ello se observa en la presencia de líneas que podemos trazar para recorrer todo el espacio y que desembocan en un único punto de fuga que se encuentra en la mesa altar. También podemos mencionar que, al margen, de los elementos estructurales observados que presentan una clara referencia al legado grecorromano, hay que indicar que dicho legado se observa asimismo en el nombre que se da al edificio basílica herencia de las basílicas romanas edificios de carácter civil que estaban presente en los foros de las ciudades romanas y que con la aceptación del cristianismo como religión oficial del Imperio pasó a convertirse en un edificio de carácter religioso.

Por último, indicar que la Basílica de San Lorenzo estuvo muy ligada a la familia de los Médici pues era el lugar escogido para asistir a la celebración de los cultos puede decirse, por tanto, que aúna el carácter religioso con el civil/político; y además dispone de una capilla diseñada por el propio Miguel Ángel, utilizada como panteón familiar pues en el interior de dicha capilla aparecen los sepulcros de Juliano y Lorenzo de Médicis este último apodado Lorenzo el magnífico.

Por si tienes más curiosidad sobre el edificio puedes echar un vistazo en el siguiente vídeo: