ECCE HOMMO GREGORIO FERNÁNDEZ

 

La imagen que puedes ver a la izquierda es el Ecce Homo realizado por Gregorio Fernández entre los años 1611 y 1615 y que se conserva en la Sala Capitular de la Catedral de Valladolid. Se trata de una escultura exenta o de bulto redondo realizada en madera mediante la técnica de talla directa y de iconografía religiosa.

Nos encontramos ante una representación de Cristo de cuerpo entero cubierto con el perizonium o paño de pureza. La figura cruza los brazos sobre el pecho y en su espalda se pueden observar las huellas de la fragelación. La figura rompe la frontalidad al girar la cabeza, una cabeza donde encontramos un rasgo distintivo de los cristos de Gregorio Fernández visible en el cabello que cae sobre los hombros y la barba partida en dos con la que cubre el rostro. Los ojos están confeccionados en vidrio. La talla es igualmente notable por el exhaustivo estudio anatómico observado en el torso fruto de la estancia en Italia de Fernández donde estudia la estatuaria del periodo grecolatino así como la escultura de los autores del Renacimiento italiano entre los que podemos mencionar a Miguel Ángel.

A la derecha puedes ver una imagen de cuerpo entero de esta obra. Observa cómo la influencia de la escultura de la antigüedad clásica se hace notable en las extremidades inferiores de la pieza donde es posible encontrar un contraposto. El apoyo de la figura lo encontramos en la pierna de derecha completamente recta mientras que la pierna izquierda aparece ligeramente separada y con la rodilla flexionada. Este movimiento se observa en la colocación de las caderas consiguiendo así que la parte superior del cuerpo no esté completamente recto sino que se marque una ligera curva. Indicar además, que el vidrio de los ojos no es el único elemento no escultórico pues el paño de pureza, anudado en la cadera derecha como es habitual en los Cristos de Fernández, es también una pieza añadida.

Otro elemento que podemos destacar de la pieza reside en la colocación de los brazos cruzados, la elegante disposición de las manos con una notable carga expresiva, aspecto éste que se observa también en el rostro con el que parece querer transmitir el perdón latente hacia sus verdugos.

Por último, rematamos el análisis comentario con un par de pinceladas del contexto. La imagen propuesta para comentar pertenece al siglo XVII dentro de la corriente artística del Barroco. Este periodo se caracteriza en lo político por la presencia del absolutismo en la monarquía. Destacamos en este caso la figura de Luis XIV en Francia mientras que los monarcas españoles, los Austrias menores, se encuentran bajo la influencia de sus validos. En el plano económico es un periodo complejo con sucesivas crisis que tienen una gran impacto en nuestro país; sin embargo, y pese a todo, es un periodo de gran creatividad a todos los niveles siendo conocido con el sobrenombre del Siglo de Oro español. Por último, con respecto al arte Barroco se caracteriza por el interés en los sentimientos, una puesta en escena teatral y el interés por lograr atmósferas en el plano pictórico mediante el uso de las luces y las sombras.

Para saber más:

V. V. A. A. (1994) Historia Universal del Arte. Barroco y Rococó. Planeta.

GREGORIO FERNANDEZ

Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada:

https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Sculptures_by_Gregorio_Fern%C3%A1ndez#/media/File:Valladolid_-_Museo_Diocesano_y_Catedralicio,_Sala_Capitular_(Ecce_Homo,_de_Gregorio_Fern%C3%A1ndez,_1611-1615).jpg

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LAS BAÑISTAS DE CEZANNE

 

La imagen propuesta para comentar es una obra pictórica, óleo sobre lienzo, perteneciente a la edad contemporánea, segunda mitad del siglo XIX avanzado, dentro del pos impresionismo. Nos centramos, a continuación, en la contextualización de la obra. Nos encontramos en pleno desarrollo de la Segunda Revolución Industrial, con la presencia de nuevas fuentes de energía como el petróleo, el gas y la electricidad. Destacamos las clases sociales de la burguesía y el proletariado. Este último, es una clase social más organizada debido a la presencia de organizaciones sindicales que se ponen en marcha. A nivel político, destaca la unificación de Italia y Alemania en Europa junto al auge de los nacionalismos. Además, no podemos olvidarnos de la política imperialista y colonialista fruto de los excedentes de la industria y la necesidad de buscar nuevos mercados por parte de las potencias europeas.

Una vez que hemos contextualizado nuestra obra pasamos al análisis. El tema que se está representando es un paisaje con la presencia de figuras humanas. De hecho, si nos damos cuenta, podemos observar un tercer tema, un improvisado bodegón que están formando dos de las figuras humanas que aparecen en primer término. Centrándonos en los aspectos formales uno de los elementos más destacados es la sensación de espacio. Esta se consigue gracias al empleo, por parte del autor, de formas geométricas básicas: cono, cilindro y esfera que aparecen en todos los elementos que están representados. Otro elemento que contribuye a la sensación espacial es la presencia de un primer plano donde aparecen las mujeres; un segundo plano marcado por un río o estanque; y un tercer plano marcado por el paisaje del fondo. Las líneas compositivas es otro elemento a tener en cuenta. Destacamos dos líneas horizontales paralelas junto con las diagonales que marcan los árboles y recorren los cuerpos de algunas de las bañistas. La zona central aparece despejada con un triángulo que permite observar el paisaje que aparece al fondo.

Otro recurso a tener en cuenta son las luces y sombras, junto con la gama cromática empleada. Ambos elementos se complementan entre sí contribuyendo a reforzar la sensación de volumen de las figuras y contribuyendo, también, a crear la sensación espacial. Otro elemento destacado es la importancia de la pincelada, ancha que permite construir todos los elementos y que servirán como referente de la corriente del Cubismo que aparecerá a comienzos del siglo XX.

Cerramos nuestro análisis haciendo referencia al tratamiento de la figura humana. En ella podemos destacar la presencia de volúmenes rotundos en los que, sin embargo, es posible apreciar cierta conexión o herencia del legado clásico. Ello es debido al tratamiento del desnudo, sutil, que puede recordarnos a los desnudos clásicos de época griega. En cierto sentido podemos decir que estas bañistas realizadas por Cezanne en los últimos años del siglo XIX suponen una actualización de las venus griegas.

Por cierto y a título de curiosidad la obra planteada para el análisis pertenece a las Grandes bañistas de Filadelfia llamadas así porque se conservan en el museo de arte contemporáneo de dicha ciudad. Como sucede con otros temas estrella de Cezanne, caso de la Montaña de Santa Victoria, también de las bañistas realiza varias versiones como las Bañistas de Londres o las bañistas de Chicago de las que puedes leer una breve reseña en el enlace que se indica a continuación:

BAÑISTAS AL AGUA

Para saber más:

ÁLVAREZ LOPERA, J. Mª. (1994) Historia del arte de la Ilustración al Simbolismo. Planeta, Barcelona.

BECKS-MALORNY, U. (2020) Cézanne. Taschen.

REYERO, C. (1992) El arte del siglo XIX. Biblioteca básica del arte. Anaya, Madrid.

ROSENBLUM, R. y JANSON, H.W. (1992)  El arte del siglo XIX. Akal, Madrid.

Enlace de la imagen utilizada:

GRANDES BAÑISTAS

MAÑANA EN EL RIESENGEBIRGE

 

En la presente entrada vamos a realizar un análisis comentario de la obra "Mañana en el Risengebirge" del pintor alemán Caspar David Friedrich que puedes ver a la izquierda.

Comenzamos con la identificación. Se trata de una obra pictórica, óleo sobre lienzo, perteneciente al estilo del Romanticismo, siglo XIX, primera mitad, época contemporánea.

A continuación, nos centramos en el análisis y comenzamos describiendo el tema. El autor pinta un paisaje, tema recurrente en su obra, de amplios horizontes. Es un paisaje formado por estructuras rocosas envueltas en una niebla lo que les otorga cierto halo fantasmal. Observa que la naturaleza es la protagonista. No obstante, la figura humana también está presente, eso sí hay que esforzarse un poco para encontrarla.

Como puedes observar en la imagen de la derecha, encontramos una elevación montañosa en cuya cima aparece representada una imagen de Cristo crucificado acompañado de dos figuras femeninas. Se repite, por tanto, una constante en muchos cuadros pertenecientes al Romanticismo, la magnitud de la naturaleza frente a una representación del ser humano que aparece en un segundo plano o casi imperceptible.

Otro dato a destacar de la obra es la sensación de espacio que, como puedes apreciar, tiene un gran protagonismo. Friedrich sitúa una elevación montañosa cerca del punto de vista del espectador. Esto es importante porque es donde el ojo se centra y le permite fijarse más allá hacia esa línea del horizonte dominado por elevaciones rocosas que ya hemos mencionado.

La sensación de espacio se consigue también con el uso de los colores, las luces y las sombras. Presta atención porque los tonos tierra se encuentran más cerca del espectador, mientras que los tonos fríos se encuentran más alejados. Esto coincide con las sombras que son más acusadas en primer plano mientras que la luz se hace más evidente a medida que el paisaje se aleja de nuestra percepción. Y otro dato a tener en cuenta es la sensación de ritmo o movimiento que se aprecia en las formas sinuosas de los perfiles rocosos.

Un último aspecto que podemos mencionar en el análisis es el carácter expresivo inherente a la corriente. El Romanticismo destaca por expresar sentimientos y emociones. En el caso que nos ocupa Friedrich lo consigue a través de los recursos empleados, es decir, la luz, las sombras, los colores; sin olvidarnos del carácter místico que parece observarse en la montaña de la cruz. Es el paisaje, en definitiva, el que habla y transmite al espectador. Calma, serenidad, tranquilidad o quizás melancolía y tristeza pueden ser algunas de las emociones que podemos captar.

Cerramos nuestro análisis realizando un repaso al contexto. En los aspectos generales, hemos indicado que la obra pertenece a la primera mitad del siglo XIX. Pleno desarrollo de la Primera Revolución Industrial con importantes cambios a nivel económico y social. Presencia de nuevas fuentes de energía y puesta en marcha de una profunda transformación a nivel urbano. Con respecto a los aspectos concretos del contexto, hemos situado la obra analizada dentro del Romanticismo corriente que aparece entre finales del siglo XVIII y principios del XIX teniendo su máximo desarrollo durante la primera mitad del periodo decimonónico. El Romanticismo tiene su vertiente literaria y musical y en el caso de lo pictórico encontramos representantes en Francia como Gericault o Delacroix; Alemania como Caspar David Friedrich; e incluso en España donde algunas obras de Francisco de Goya pueden considerarse dentro de dicha corriente. Un estilo artístico el Romanticismo que busca emocionar al espectador con el paisaje, los temas de carácter histórico o la inspiración de carácter literario entre otros muchos temas y que nace en oposición a los postulados de vuelta al orden defendidos por el Neoclasicismo.

Para saber más:

CASPAR DAVID FRIEDRICH

ÁLVAREZ LOPERA, J. Mª. (1994) Historia del arte de la Ilustración al Simbolismo. Planeta, Barcelona.

REYERO, C. (1992) El arte del siglo XIX. Biblioteca básica del arte. Anaya, Madrid.

ROSENBLUM, R. y JANSON, H.W. (1992)  El arte del siglo XIX. Akal, Madrid.

WOLF, N. (2008) Romanticismo. Taschen Edición Diario El País, Madrid.

Enlaces de las imágenes utilizadas

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/0b/Friedrich%2C_Caspar_David_-_Morgen_im_Riesengebirge.jpg

ANÁLISIS DE IMAGEN

 

Comenzamos con la identificación. La imagen propuesta para analizar es una obra gráfica, una ilustración de un libro, con cierta inspiración medieval, realizado en el siglo XIX, más concretamente, a finales de dicho periodo.

Nos centramos en el análisis conceptual e iconográfico. Ocupando la zona central de la composición, aproximadamente, aparece una escena narrativa formada por tres hombres adultos, un bebé varón y dos mujeres. Todos los personajes aparecen en el un entorno paisajístico. El párrafo que aparece en el recuadro en la zona inferior de la izquierda nos ofrece información de la temática una historia conectada con las leyendas del Rey Arturo. En nuestro caso el mago Merlín acogiendo bajo su protección a al bebé Arturo que en el futuro acabará convertido en rey.

A continuación nos centramos en el análisis técnico. En este caso podemos comenzar hablando de cómo está compuesta la página. Nos encontramos con un borde donde aparecen motivos vegetales y figuras de dragones muy estilizadas que aparecen entrelazadas. En el margen inferior izquierda de dicho borde encontramos un recuadro donde se nos narra la historia que está teniendo lugar. Todo el marco encuadra la escena narrativa principal.

Nos centramos en la escena principal en este caso la clave es comentar cómo se consigue la sensación de espacio. Es interesante indicar varios aspectos:

1-La presencia de dos árboles, uno más cerca del punto de vista del espectador y otro más alejado que enmarcan a los personajes principales. Las ramas del primer árbol cruzan la composición conectando con las ramas de otro árbol que aparece a la derecha de la composición.

2-La importancia de la luz. Se observa en el tronco de los árboles ya mencionados, en las vestiduras de Merlín y de las dos mujeres, la armadura que visten los soldados que escoltan a las mujeres y la estructura arquitectónica que aparece al fondo marcando una línea de horizonte.

3-Uso de los blancos y negros. Los blancos aparecen en aquellos aspectos donde más incide la luz. El negro, trabaja con toda la gama, aparece en la vegetación que enmarca a los personajes.

4-Más referencias espaciales. Al margen de lo ya comentado es importante indicar también sensación de espacio en el camino sinuoso que aparece a nuestra izquierda que desemboca en un pueblo o villa recortado por un grupo de montañas que aparecen al fondo.

5-Conexión figuras y atención a los detalles. Las figuras principales de Merlín, el bebé y las mujeres están dispuestos en una composición circular. La conexión es evidente por la figura del bebé y también por cómo la doncella o dama de compañía sujeta parte del vestido de su señora. En cuanto a los detalles destaca la minuciosidad con que aparecen representados tanto los motivos de carácter vegetal de la escena principal como los motivos que se encuentran decorando el marco donde es posible hablar de horror vacui u horror al vacío.

Cerramos nuestro análisis haciendo referencia al contexto y los aspectos estéticos. Nos centramos en primer lugar en los aspectos estéticos. Como hemos indicado la imagen presenta una clara conexión con el mundo medieval. En este sentido la disposición de la página nos recuerda a las páginas de borde y los lacertines que eran frecuentes en las miniaturas celtas anterior al comienzo del periodo medieval. Además, conecta con las ilustraciones que se realizan en el seno de la Arts & Crafts de William Morris pues recuperan el gusto por la estética medieval y las leyendas o historias ambientadas en dicho periodo siempre desde una reinterpretación propio del arte y la literatura del siglo XIX.

Por último, dentro del contexto. Hemos indicado que la imagen fue realizada en el siglo XIX, periodo bajo la influencia de dos Revoluciones Industriales que en la primera mitad de la centuria originarán una transformación económica y social, destacando un cambio en el urbanismo de las ciudades y nuevas materiales en la construcción; mientras que en lo social supondrá el surgimiento de la burguesía y el proletariado estos últimos cada vez mejor organizados a medida que avanza el siglo.

En la segunda mitad del periodo decimonónico, se pondrán en marcha importantes cambios a nivel político como la presencia de procesos de unificación en Italia y Alemania, así como la puesta en marcha de una política imperialista y colonialista en África y en determinadas zonas de Asia. Todo ello sin olvidarnos de la presencia de nuevas fuentes de energía como el carbón, el petróleo, el gas y la electricidad.

En cuanto al autor de la obra analizada se trata de Aubrey Beardsley ilustrador británico activo que en las últimas décadas del siglo XIX que destaca por trabajos como las ilustraciones para Salomé obra escrita por Oscar Wilde que llamaron la atención por su gusto por lo exótico, el uso de los blancos y negros y su osadía en su puesta en escena.

Algún dato más:

AUBREY BEARDSLEY

SALOMÉ

ANÁLISIS MOSAICO

 

En la presente entrada vamos a realizar un análisis comentario de un mosaico.

Comenzamos con la identificación, se trata de una obra pictórica, un mosaico, realizado en un periodo intermedio entre el final del Imperio romano y el comienzo de la Edad Media.

A continuación nos vamos a centrar en el contexto y los aspectos estéticos. Los mosaicos son conocidos en la época antigua siendo utilizados en primer lugar por los griegos y posteriormente adoptados por los romanos. Estos últimos utilizaban los mosaicos para decorar el pavimento de las casas y, en concreto, de aquellas zonas más destacadas. Los temas que solían aparecer estaban relacionadas con la mitología escenas de dioses o de carácter cotidiano como escenas de caza. En el siglo IV cuando el emperador Constantino promulga el Edicto de Milán y el cristianismo se convierte en religión oficial del Imperio, los cristianos adoptan el mosaico si bien ellos en lugar de colocarlo en el suelo lo utilizarán para decorar los ábsides o bóvedas de los edificios religiosos, sean estos basílicas, o funerarios los llamados mausoleos destinados a albergar los restos de gente importante en la sociedad romana.

Nos movemos, por tanto, en un periodo en el que el Imperio romano está viviendo sus últimos compases antes de producirse su colapso que llevará a la escisión del mismo en dos zonas: imperio romano de Occidente con capital en Roma e imperio romano de Oriente con capital en Bizancio.

Contextualizada la obra nos centramos en el análisis conceptual e iconográfico. El tema que está representado pertenece a la iconografía religiosa. Vemos a un joven sentado rodeado de ovejas. Observamos que el joven en lugar de apoyarse en un cayado se apoya en una cruz. Se trata de una representación de Jesús como el buen pastor que toma como referente las primitivas representaciones que podemos observar en las catacumbas donde era posible encontrar a un joven portando una oveja sobre sus hombros.

Por último, nos centramos en el análisis técnico. Debemos hablar de jerarquía pues la figura de Jesús aparece más alta que el resto y ocupa el centro de la composición marcando a su vez un eje de simetría que permite dividir la composición en dos partes. Indicar también que podemos observar motivos vegetales para situar la escena en un escenario concreto si bien no podemos apreciar sensación de profundidad. Si podemos hablar se cierto sentido del espacio observado en la colocación de cada una de las ovejas a diferentes alturas. Con respecto a la luz esta incide tanto en las ovejas como en la figura de Jesús. La paleta es reducida si bien la gama cromática se encuentra equilibrada.

Un último detalle a tener en cuenta reside en las influencias posteriores que podemos encontrar y estas se observan en el hecho de que influye en las representaciones pictóricas que encontraremos en el arte medieval tanto en la pintura mural como en las miniaturas aunque la imagen que se proyecte de la figura de Jesús en cada una de ellas no sea tan amable como la que podemos apreciar en la imagen propuesta.

Para saber un poco más:

Enlace de la imagen utilizada en la presente entrada:

https://es.wikipedia.org/wiki/Mausoleo_de_Gala_Placidia#/media/Archivo:Meister_des_Mausoleums_der_Galla_Placidia_in_Ravenna_002.jpg

INFORME ARTÍSTICO II

 En la presente entrada vamos a realizar un nuevo informe artístico con las imágenes que se proponen a continuación:

Comenzamos nuestro informe identificando ambas imágenes. En ambos casos nos encontramos con obras escultóricas. Son esculturas exentas o de bulto redondo. La imagen que aparece más a nuestra izquierda pertenece a la edad antigua, arte griego, es el Auriga de Delfos. La imagen que aparece más a nuestra derecha pertenece a la edad moderna, arte barroco español se trata de El arcángel San Miguel venciendo al demonio obra de La Roldana.

Una vez identificadas pasamos a hablar de las técnicas y materiales empleados nos centramos, en primer lugar en el Auriga de Delfos. La obra está realizada utilizando el bronce como material. El bronce presenta un proceso previo donde se modela la pieza por tanto hablamos de técnica aditiva. Ten en cuenta que el bronce no se puede tallar. Una vez realizado el modelado procedemos a obtener la pieza definitiva mediante el empleo de moldes. Como hemos indicado la pieza pertenece al arte griego de manera que la técnica utilizada es, presumiblemente, a la cera perdida. Esta técnica consiste en verter el bronce en el interior de un molde el cual deberemos romper para poder sacar la pieza. La función de la cera es crucial en el proceso pues al entrar el bronce la cera sale por unos orificios practicados al efecto. Otro elemento a tener en cuenta debido al tamaño que observamos en la pieza es el hecho de que, posiblemente, cada una de las piezas que conforman la figura han sido realizadas por separado para proceder a su posterior ensamblado.

Como puedes ver en el detalle que aparece a la izquierda en la antigua Grecia en las esculturas realizadas en bronce se trabajaban los ojos utilizando pasta vítrea de este modo se lograba transmitir una mayor sensación de verismo en las esculturas. También aparecen policromadas, por ejemplo, en el cabello o en los labios. En el caso que nos ocupa, además, es importante indicar la pátina que ha adquirido el metal con el paso del tiempo y ello es debido a que esta obra ha llegado hasta nosotros gracias a formar parte de los restos de un naufragio.

Cerramos nuestro informe contextualizando la pieza. En Grecia distinguimos entre escultura monumental (relieves) y escultura exenta. Los relieves los encontramos decorando los templos y el material en el que están realizados es mármol policromado. En cambio la mayor parte de las esculturas exentas griegas fueron realizadas en bronce. Lo llamativo son los pocos ejemplos que nos han llegado de este material hasta nuestros días. La razón no es otra que al convertirse Grecia en una provincia más del Imperio romano se optó por fundir buena parte de las esculturas realizadas en bronce si bien antes de realizar dicha operación los romanos contrataban los servicios de escultores griegos para realizar copias en mármol. Ese es el motivo por el que obras tan destacadas como el Discóbolo, el Doríforo o el Laocoonte, entre otras, nos hayan llegado en mármol.

Otro elemento a destacar es el hecho de que piezas como la que nos ocupan hayan sobrevivido a los avatares de la historia lo que nos permite apreciar la maestría de que gozaban los escultores griegos. Como se puede apreciar en el Auriga no se escatiman en detalles desde las texturas del cabello, pasando por la expresión del rostro y sin olvidar la geometría que podemos observar en el drapeado de la túnica que viste y que recuerda a las acanaladuras de los fustes de las columnas griegas.

Completamos ahora el informe de la segunda imagen que puedes ver a la derecha. En este caso el material utilizado es madera y la técnica utilizada es talla directa. A diferencia de lo que sucede con la piedra donde de un único bloque podemos "liberar" como decía Miguel Ángel a la escultura, en el caso de la madera se emplean diferentes fragmentos para realizar cada una de las partes del cuerpo de una figura, partes que serán posteriormente ensambladas.

En el caso de la talla en madera y al ser esta una obra del siglo XVII, es decir, Barroco, es importante poner en valor la policromía como vehículo con el que dotar de verosimilitud a la pieza. En este caso debe indicarse que el conjunto escultórico ha recuperado el esplendor debido a que ha sido sometida a una importante labor de restauración.

A destacar de la policromía las calidades conseguidas en el tratamiento del cuerpo del demonio que aparece a los pies del arcángel, así como las partes de éste que aparecen descubiertas. También indicar la textura conseguida en las alas imitando a las de un ave. Indicar igualmente que la paleta de color utilizada destaca por la presencia de colores primarios, rojo, azul, amarillo y en general un empleo de gamas equilibrado.

Cerramos nuestro informe sobre la pieza de La Roldana haciendo referencia al contexto. La obra se incluye dentro del Barroco destacando la enorme expresividad de ambas figuras (destacando la torsión del demonio) que se encuentran unidas a través de una cadena y también mediante el juego de miradas. Es una pieza que encaja con la época en la que fue realizada pues durante el Barroco el arte busca ser moralizante hacia el espectador, el triunfo del bien frente al mal.

Aunque lo más llamativo de esta pieza reside en su autora Luisa Roldán apodada La Roldana es una de las escultoras más importantes del Barroco español cuya figura, en los últimos años, se está posicionando en el lugar que merece. Pese a no poder firmar ningún contrato de obra, es decir, no estaba permitido a la mujer en el siglo XVII que pudiese firmar los contratos de las obras en las que iba a trabajar, La Roldana consiguió ser nombrada escultora de corte del mismo Carlos II "el hechizado"; eso y ser la artífice de una obra de gran envergadura que no tiene nada que envidiar a las tallas realizadas por sus coetáneos masculinos.

Para saber un poquito más:

EL ARCÁNGEL SAN MIGUEL VENCIENDO AL DEMONIO 

Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada:

https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Charioteer_of_Delphi#/media/File:%22Delphi_als_Mittelpunkt_der_Welt%22_-_so_sahen_das_die_Menschen_in_der_Antike._05.jpg

https://historia-arte.com/_/eyJ0eXAiOiJKV1QiLCJhbGciOiJIUzI1NiJ9.eyJpbSI6WyJcL2FydHdvcmtcL2ltYWdlRmlsZVwvNjRhOTJlOTM2NzI1ZC5qcGciLCJyZXNpemUsMjAwMCwyMDAwIl19.jbb-3lVQyzoXJ_ZlFnfnDQvHxn21zGjpoLOZiGm5smk.jpg

ANÁLISIS DE TRES OBRAS DE ILUSTRACION SEGUNDO CURSO

 En la presente entrada se proponen el análisis comentario de las siguientes imágenes:

IMAGEN 1.

Comenzamos nuestro análisis con la identificación. Se trata de una obra gráfica, una ilustración, realizada en la segunda mitad del siglo XIX conectada con la corriente del Art Nouveau. La imagen se llama “árbol y valle” y el autor es Gisbert Gombaz.

A continuación, nos centramos en el análisis conceptual e iconográfico. Lo que vemos es un paisaje con un árbol en primer término y unas pequeñas elevaciones montañosas al fondo.

Análisis técnico. Al observar la obra nos damos cuenta que se otorga una gran importancia al dibujo que permite construir la sensación espacial. Dicho efecto se consigue al construir varios planos, los motivos vegetales en verde y el árbol que aparece en primer término subiendo hacia arriba; y el segundo plano que viene marcado por las elevaciones montañosas del fondo. La sensación espacial viene determinada también por la combinación de colores que, aunque restringida en negro, grises y marrones ayudan a crear dicho efecto. La combinación de líneas y colores junto con el empleo de líneas curvas nos permite conectarlo con la tradición de los Ukiyo-E. Además, la presencia de las curvas nos permite hablar de ritmo compositivo.

Cerramos el análisis con los aspectos estéticos y contexto, en el primer caso podemos indicar la clara influencia que los Ukiyo-E originan en las obras pictóricas de la segunda mitad del siglo XIX. En cuanto al contexto podemos hablar del desarrollo de la segunda Revolución industrial marcado por la política imperialista y colonialista, así como la presencia de nuevas fuentes de energía tales como el gas, el petróleo o la electricidad. Tampoco debemos olvidar que en el plano social destacamos la burguesía y el proletariado el segundo cada vez más organizado reivindicando sus derechos.

IMAGEN 2.

Se trata de una obra gráfica, una ilustración, realizada entre finales del siglo XIX muy principios del siglo XX. Es una ilustración de la obra Salomé realizada por el británico Aubrey Breadsley.

Análisis conceptual e iconográfico. Es una iconografía de carácter religioso pues hace referencia a Salomé un personaje del Nuevo Testamento. Salomé es una mujer que pide obtener la cabeza de San Juan Bautista como premio por el baile ejecutado ante su padrastro Herodes. La función de la imagen es ilustrar el libro Salomé escrito por Oscar Wilde. Debemos indicar, además, que la ilustración recibe el nombre de "Clímax" pues hace referencia al momento en el que Salomé ha recibido la cabeza del Bautista.

Análisis técnico. La ilustración juega con el blanco y el negro debido al empleo de tinta china como técnica lo que conecta esta obra con la estética oriental. La sensación espacial viene dada por la construcción del espacio destacando en la zona inferior un fondo negro que resalta motivos en blanco de carácter vegetal. Mientras que la zona superior juega con el fondo blanco y algunos detalles en negro; en esta zona se observa la presencia de los dos personajes principales Salomé que sostiene entre sus manos la cabeza de San Juan Bautista.

En cuanto a líneas compositivas destaca el empleo de curvas llamando la atención una forma curva que conecta los dos planos tanto el inferior como el superior. Curvas se observan además en los personajes destacando un claro efecto rítmico a nivel compositivo.

Con respecto al tratamiento de los personajes se observa conexión entre ellos. Salomé sostiene la cabeza del Bautista y además conectan con la mirada estableciendo una conexión entre lo erótico y lo morboso.

Cerramos el análisis con los aspectos estéticos y contexto. En el primer apartado debe indicarse la influencia de la estética oriental tanto por el interés otorgado a las líneas como por la estética que envuelve toda la escena subrayado por la técnica empleada.

En cuanto al contexto, podemos hablar del desarrollo de la segunda Revolución industrial marcado por la política imperialista y colonialista, así como la presencia de nuevas fuentes de energía tales como el gas, el petróleo o la electricidad. Destacando a nivel social las dos clases relevantes como son el proletariado y la burguesía destacando los primeros consiguiendo cada vez más logros sociales.

IMAGEN 3.

Se trata de una obra gráfica, una ilustración, imagen de un cuento infantil más concretamente, realizada en el siglo XIX, época contemporánea. Ilustración de Walter Crane.

A continuación, vamos a contextualizar la obra. La imagen propuesta para analizar se encuentra ubicada en el periodo decimonónico marcado por dos Revoluciones Industriales que van a provocar una auténtica transformación económica y social. Un periodo que en el plano político aparece marcado en el caso de Gran Bretaña por la época victoriana destacando además, por la puesta en marcha de los procesos de unificación de Italia y Alemania, así como la política imperialista y colonialista que provoca que las principales potencias europeas se repartan el continente africano.

Contextualizada la imagen nos centramos en el análisis destacando en primer lugar el análisis conceptual e iconográfico. Lo que vemos representado es un interior lo que parece una cocina donde encontramos una niña inclinada sobre la mesa para comer el contenido que aparece dentro de un cuenco. Se trata de un pasaje del cuento infantil Rizitos de oro.

A continuación nos centramos en los aspectos técnicos. Lo primero que destacamos es la construcción espacial que viene dado por los siguientes elementos: la presencia de una amplia mesa que proyecta dos amplias diagonales paralelas que conectan el punto de vista del espectador con los elementos que observamos en el fondo de la estancia una alacena donde aparecen los objetos necesarios en una cocina. También podemos hablar del diseño del suelo con la presencia de un baldosado combinados dos colores como un tablero de ajedrez. Y un tercer elemento que podemos destacar es la figura de la niña que aparece inclinada sobre la mesa.

En cuanto a la distribución de la ilustración se otorga gran importancia a la imagen mientras que el texto aparece en un recuadro en la zona inferior de la composición narrando aspecto esencial de lo que está teniendo lugar en la escena.

Por otra parte la gama cromática aparece equilibrada dando importancia al amarillo que aparece en la cabellera y vestido de nuestra protagonista, así como la luz que destaca tanto en la niña como en el mantel con el que se cubre la mesa.

Por último, en cuanto a los aspectos estéticos, indicar que el autor de la ilustración Walter Crane es uno de los artistas que se encuentran vinculados al ámbito del Arts & Crafts corriente artística liderada por William Morris convirtiéndose Crane en uno de sus colaboradores habituales. Si bien, al margen de Morris, Crane destaca por su prolífica labor como ilustrador de cuentos infantiles destacando por un dibujo con una puesta en escena llena de detalles con los que atraer la atención del espectador.

Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada:

https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Gisbert_Combaz#/media/File:Gisbert_Combaz_-_Tree_&_Valley_1898.jpg

https://en.wikipedia.org/wiki/The_Climax_(illustration)#/media/File:Aubrey_Beardsley_-_The_Climax.jpg