LA MAGIA DEL ARTE II

-No permitas que te digan lo contrario, todos los colores posibles encajan en tu cuarto de estar.

-Shsss!!

-Descansando después de la sesión de zumba.

-Es gratificante comprobar que los cerezos florecen cada primavera.

-Mire señor Frodo, ya estamos en Mordor.

-No sé, pero creo que esta juerga se nos está yendo de las manos.

-Hay que ver lo mona que va esta chica siempre.

-Cada vez es más complicado viajar en turista.

-Las ofertas del día, lleve 3 y pague 2, 50% de descuento en lechazo oiga.

-Ai-ho, ai-ho, al campo a trabajar, tra-la-lá, tra-la-lá, ai-ho, ai-ho.

-La reina de la casa.

-Cuando has arrasado con todo lo que tenías en el armario.

-Video tutorial para hacer una coleta.

-La Pepi, el Fausto, la Engracia, la Rosi, Manoli, Berta, Pitu y Michín.

-Jo, menudo viaje llevo...

-Estoy estupenda y lo sabes.

-La cara que se te queda cuando te hacen spoiler de tu libro favorito.

-Qué se enfría el desayuno!!

-Es un pájaro...es un avión...son Supermán y Lois?

Links para más información de las imágenes que aparecen en la entrada:

 ARMONÍA EN ROJO

MUSA DURMIENDO

MÉNADES EXHAUSTAS

EXPECTATIVAS

EXPULSIÓN. LUNA Y LUZ DE FUEGO

BRUJAS YENDO AL SABBATH

VANIDAD

LA BARCA DE DANTE

MERCADO PARISINO

COSECHADORES

NIÑA PEQUEÑA EN SILLÓN AZUL

MEDICINA

EN EL TOCADOR

PERSONAS

DONDE LAS HAYAS NACEN

EL VESTIDO AZUL

MUJER LEYENDO

MESA DE DESAYUNO

SOBREVOLANDO LA CIUDAD

LA MAGIA DEL ARTE

Porqué es importante el arte, ahí van diez razones razones...

1-Porque está muy bien descubrir a un señor mayor mazao recién salido del gimnasio.

2-Porque las rayas estilizan, no importa la dirección ni los colores. Mondrian

3-Porque podemos estar así de estupendas y fabulosas. Sonia Delaunay

4-Porque podemos tomar ideas para comenzar a cuidar un jardín. Kawase

5-Porque es un gustazo liberar al kraken. Pierre Denis Montfort

6-Porque podemos dar rienda suelta a nuestra creatividad. Marie Bashkirtseff

7-Para darnos cuenta que Lady Gaga no inventó nada. Jana Sterbak

8-Porque los conejitos son super adorables y achuchables. Beatrix Potter

9-Para descubrir que cualquier excusa es buena para salir de marcha. Mallo

10-Porque nos priva el color power!! Matisse

Fuentes de las imágenes:

Wikipedia 

HA

NIÑA CON GLOBO ROJO

 

En la presente entrada vamos a analizar Niña con globo rojo de Banksy que puedes ver en la imagen de la izquierda.

Se trata de una obra pictórica, pintura mural, un grafitti realizada con stencil y spray. Street art. Siglo XXI primera mitad.

Nos centramos en el contexto. La obra original está fechada en torno al 2002, comienzo del siglo XXI. Una centuria que viene marcada por el atentado del 11-S en Nueva York. Un hecho que origina un auténtico maremoto en las relaciones internacionales siendo diversos los conflictos políticos que se han venido sucediendo desde entonces. Conflictos que han venido de la mano de sucesivas crisis económicas y una sanitaria marcada por la pandemia de la Covid-19 en marzo de 2020. Un panorama político y económico inestable que se traducen en lo social en una importante incertidumbre de cara al futuro y en el que las acciones humanas condicionan positiva o negativamente el mismo.

Como hemos indicado la obra original fue creada en una pared de la ciudad de Londres. Se empleó la técnica del stencil consistente en utilizar una plantilla que se fija al muro la cual se marca con spray para conseguir el dibujo que vemos en la imagen. Esta técnica constituye la base del trabajo de buena parte de los grafiteros que se ven obligados a trabajar deprisa debido al carácter clandestino que tiene su arte. Desde el punto de vista del tema nos encontramos la representación de una niña, realizada en blanco y negro, cuyo borde del vestido y cabello es movido por el viento; un viento que mueve, alejando del alcance de la niña, un globo con forma de corazón en vibrante color rojo. En la imagen observamos uno de los sellos de identidad de su autor Banksy el color rojo que en este caso se asocia a los elementos simbólicos de la libertad y la inocencia infantil; aspectos éstos fugaces que se pierden cuando se produce el tránsito de la infancia a la edad adulta. Si bien, en este caso, la obra no tiene un significado único, al contrario, está abierto y se enriquece con las interpretaciones que el espectador pueda darle. Ese globo rojo puede simbolizar también la necesidad que tiene la humanidad a aferrarse algo solido que le permita navegar y sobrevivir en el mar de incertidumbres diarias que conforman nuestra vida actual. Aspecto este que tiene fuerza si leemos la inscripción que acompaña la imagen "ther is always hope" y que, con toda probabilidad no lleve la mano de su autor.

En el año 2018 la célebre obra de Banksy se convierte en un hito internacional cuando una casa de subastas decide sacar a subasta un grabado de la Niña con globo rojo. El grabado se presenta dentro de un marco victoriano y cuando el director de la subasta golpea con su mazo en la mesa adjudicando así la venta tiene lugar un hecho insólito. La obra de Banksy comienza a deslizarse hacia la zona inferior del marco autodestruyéndose. La imagen se hace viral saliendo tanto en los medios de comunicación convencionales como a través de Internet. Banksy tenía guardada una sorpresa al comprador de su obra. Una pequeña trituradora escondida en el marco se activa justo en el momento en el que se cierra la venta. Se origina la destrucción de la obra que, por un fallo del mecanismo, no es total sino parcial. De seguro que la cara del comprador y de los asistentes a la subasta no tuvo precio. Eso sí, Banksy se salió con la suya al subrayar con dicha acción el significado fugaz que sobrevuela la obra y una denuncia ante los medios de comunicación de la banalidad del arte en la sociedad actual y cómo este es visto como un mero negocio objeto de especulación. Un aspecto, por otra parte, nada nuevo pues esta misma idea, aunque sin destrucción de por medio, ya la había planteado Marcel Duchamp con su Fuente en 1917.

Cerramos el análisis haciendo referencia al grafitti englobado dentro del Street Art que surge en la década de los setenta del siglo XX concebido como un arte marginal y clandestino de fuerte denuncia social. En los años 80 además, en Estados Unidos, el grafitti se asocia con una manera de vestir e incluso un tipo de música (hip-hop, rap) y un baile (breakdance) como forma de expresión callejera contraria a lo establecido. Actualmente este tipo de manifestaciones artísticas han encontrado su hueco fuera de la clandestinidad, rehabilitando espacios urbanos e incluso poniendo en el mapa entornos rurales donde las fachadas de sus casas se convierten en espacios de arte vivos en continua metamorfosis.

Para saber más:

LA OBRA DE ARTE FAVORITA DE LOS BRITÁNICOS

DESENTRAÑANDO A LA CHICA DEL GLOBO ROJO

BIBLIOGRAFÍA.

GOMPERTZ, W. (2013) ¿Qué estás mirando? 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos. Taurus

Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada:

https://historia-arte.com/obras/nina-con-globo

SPIRAL JETTY

 

En esta entrada vamos a analizar la obra Spiral Jetty de la que puedes ver una imagen a tu izquierda.

Comenzamos con la identificación, se trata de una obra escultórica realizada en el siglo XX, segunda mitad, año 1970, arte contemporáneo corriente del Land Art siendo su autor Robert Smithson. Ante todo una pequeña aclaración sobre la naturaleza de la obra. La hemos catalogado como escultura, aunque, ¿la escultura no es aquella obra realizada con materiales tradicionales, madera, piedra o arcilla? Cierto es si bien a partir de la década de los sesenta es cada vez más patente el cuestionamiento del concepto de arte tradicional. Lo que Smithson realzó fue una intervención en un espacio natural "esculpiendo" en dicho espacio un elemento no natural y por ese motivo es correcto identificar la obra que nos ocupa como escultura.

Realizada la aclaración proseguimos nuestro análisis con el contexto general de la época. Spiral Jetty fue realizada a comienzos de los años 70. Continuamos dentro de la Guerra Fría en el comienzo de una década que viene marcada por el conflicto de la Guerra de Vietnam en la política internacional; el final de la dictadura franquista en nuestro país; y en la irrupción de la crisis del petróleo que provoca que los precios de los productos alimenticios se disparen considerablemente. En lo que a sociedad se refiere, los movimientos que en los años sesenta se han observado en buena parte de los países europeos y en Estados Unidos, siguen manteniéndose en la década de los setenta; destacando, además, el despertar que España va a experimentar en este sentido en la segunda parte de dicha década.

Como hemos indicado con anterioridad la obra propuesta para analizar pertenece al Land Art. Se trata de una corriente que irrumpe con fuerza en el panorama artístico entre finales de los sesenta y principios de los setenta del siglo XX. Su llegada coincide con la puesta en marcha de una conciencia ecológica que aparece en la sociedad internacional, más o menos por la misma época, buscando reconectar a la humanidad con la naturaleza poniendo las bases de lo que en nuestra época actual conocemos como sostenibilidad. Además, el Land Art es una variante del llamado Arte Conceptual donde lo importante no es el objeto representado sino el concepto, la idea que se pretende transmitir. Cuando Smithson "esculpe" su obra decide cambiar el espacio donde exhibirla. Considera que las salas de arte están muertas y el mejor escenario para crear y presentar una obra es la naturaleza aunque ello implique lo efímero de su propuesta.

La obra fue realizada en el Great Salt Lake en Estados Unidos en 1970. Smithson trabaja desde la orilla hacia el interior del lago y lo puede hacer porque en ese momento la zona padecía de una importante sequía que dejó buena parte del lecho del lago al descubierto. El autor contó con un equipo de camiones, tractores y palas mecánicas para construir esta gigantesca espiral orientada en dirección contraria a las agujas de un reloj. La espiral conforma un camino que no conduce a ninguna parte pues lo sugerente es la forma. ¿Un caparazón de un caracol?, ¿una nota musical?, ¿la forma de la proporción aurea que podemos encontrar en la naturaleza? Quien sabe se deja total libertad al espectador para que pueda interpretarla. En este último caso nos encontramos con un problema, la Spiral Jetty no siempre ha estado visible al visitante. En 1972, tan solo dos años después de finalizar la intervención, la zona vivió un episodio de fuertes inundaciones cubriendo la intervención de Smithson por espacio de 30 años. En el 2002 una nueva sequía dejó al descubierto otra vez la obra y la metamorfosis que ésta había experimentado. Para crear su spiral el autor utilizó roca negra de basalto y tierra. El basalto en contacto con la sal de lago y la composición química del estrato del suelo del mismo provocó que el color de la pieza cambiase. Se cumple así uno de los preceptos del trabajo de Smithson y por extensión del Land Art: el paso del tiempo y la erosión de los agentes medioambientales contribuyen a modificar y enriquecer este tipo de obras.

Para saber más:

UNA ESPIRAL EN CONSTANTE TRANSFORMACIÓN

SMITHSON EN SU LABERINTO

SMITHSON FOUNDATION

BIBLIOGRAFÍA.

GOMPERTZ, W. (2013) ¿Qué estás mirando? 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos. Taurus

Enlaces de las imágenes utilizadas:

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/84/Spiral-jetty-from-rozel-point.png

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/9/9c/Spiraljetty.jpg

ECCE HOMMO GREGORIO FERNÁNDEZ

 

La imagen que puedes ver a la izquierda es el Ecce Homo realizado por Gregorio Fernández entre los años 1611 y 1615 y que se conserva en la Sala Capitular de la Catedral de Valladolid. Se trata de una escultura exenta o de bulto redondo realizada en madera mediante la técnica de talla directa y de iconografía religiosa.

Nos encontramos ante una representación de Cristo de cuerpo entero cubierto con el perizonium o paño de pureza. La figura cruza los brazos sobre el pecho y en su espalda se pueden observar las huellas de la fragelación. La figura rompe la frontalidad al girar la cabeza, una cabeza donde encontramos un rasgo distintivo de los cristos de Gregorio Fernández visible en el cabello que cae sobre los hombros y la barba partida en dos con la que cubre el rostro. Los ojos están confeccionados en vidrio. La talla es igualmente notable por el exhaustivo estudio anatómico observado en el torso fruto de la estancia en Italia de Fernández donde estudia la estatuaria del periodo grecolatino así como la escultura de los autores del Renacimiento italiano entre los que podemos mencionar a Miguel Ángel.

A la derecha puedes ver una imagen de cuerpo entero de esta obra. Observa cómo la influencia de la escultura de la antigüedad clásica se hace notable en las extremidades inferiores de la pieza donde es posible encontrar un contraposto. El apoyo de la figura lo encontramos en la pierna de derecha completamente recta mientras que la pierna izquierda aparece ligeramente separada y con la rodilla flexionada. Este movimiento se observa en la colocación de las caderas consiguiendo así que la parte superior del cuerpo no esté completamente recto sino que se marque una ligera curva. Indicar además, que el vidrio de los ojos no es el único elemento no escultórico pues el paño de pureza, anudado en la cadera derecha como es habitual en los Cristos de Fernández, es también una pieza añadida.

Otro elemento que podemos destacar de la pieza reside en la colocación de los brazos cruzados, la elegante disposición de las manos con una notable carga expresiva, aspecto éste que se observa también en el rostro con el que parece querer transmitir el perdón latente hacia sus verdugos.

Por último, rematamos el análisis comentario con un par de pinceladas del contexto. La imagen propuesta para comentar pertenece al siglo XVII dentro de la corriente artística del Barroco. Este periodo se caracteriza en lo político por la presencia del absolutismo en la monarquía. Destacamos en este caso la figura de Luis XIV en Francia mientras que los monarcas españoles, los Austrias menores, se encuentran bajo la influencia de sus validos. En el plano económico es un periodo complejo con sucesivas crisis que tienen una gran impacto en nuestro país; sin embargo, y pese a todo, es un periodo de gran creatividad a todos los niveles siendo conocido con el sobrenombre del Siglo de Oro español. Por último, con respecto al arte Barroco se caracteriza por el interés en los sentimientos, una puesta en escena teatral y el interés por lograr atmósferas en el plano pictórico mediante el uso de las luces y las sombras.

Para saber más:

V. V. A. A. (1994) Historia Universal del Arte. Barroco y Rococó. Planeta.

GREGORIO FERNANDEZ

Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada:

https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Sculptures_by_Gregorio_Fern%C3%A1ndez#/media/File:Valladolid_-_Museo_Diocesano_y_Catedralicio,_Sala_Capitular_(Ecce_Homo,_de_Gregorio_Fern%C3%A1ndez,_1611-1615).jpg

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LAS BAÑISTAS DE CEZANNE

 

La imagen propuesta para comentar es una obra pictórica, óleo sobre lienzo, perteneciente a la edad contemporánea, segunda mitad del siglo XIX avanzado, dentro del pos impresionismo. Nos centramos, a continuación, en la contextualización de la obra. Nos encontramos en pleno desarrollo de la Segunda Revolución Industrial, con la presencia de nuevas fuentes de energía como el petróleo, el gas y la electricidad. Destacamos las clases sociales de la burguesía y el proletariado. Este último, es una clase social más organizada debido a la presencia de organizaciones sindicales que se ponen en marcha. A nivel político, destaca la unificación de Italia y Alemania en Europa junto al auge de los nacionalismos. Además, no podemos olvidarnos de la política imperialista y colonialista fruto de los excedentes de la industria y la necesidad de buscar nuevos mercados por parte de las potencias europeas.

Una vez que hemos contextualizado nuestra obra pasamos al análisis. El tema que se está representando es un paisaje con la presencia de figuras humanas. De hecho, si nos damos cuenta, podemos observar un tercer tema, un improvisado bodegón que están formando dos de las figuras humanas que aparecen en primer término. Centrándonos en los aspectos formales uno de los elementos más destacados es la sensación de espacio. Esta se consigue gracias al empleo, por parte del autor, de formas geométricas básicas: cono, cilindro y esfera que aparecen en todos los elementos que están representados. Otro elemento que contribuye a la sensación espacial es la presencia de un primer plano donde aparecen las mujeres; un segundo plano marcado por un río o estanque; y un tercer plano marcado por el paisaje del fondo. Las líneas compositivas es otro elemento a tener en cuenta. Destacamos dos líneas horizontales paralelas junto con las diagonales que marcan los árboles y recorren los cuerpos de algunas de las bañistas. La zona central aparece despejada con un triángulo que permite observar el paisaje que aparece al fondo.

Otro recurso a tener en cuenta son las luces y sombras, junto con la gama cromática empleada. Ambos elementos se complementan entre sí contribuyendo a reforzar la sensación de volumen de las figuras y contribuyendo, también, a crear la sensación espacial. Otro elemento destacado es la importancia de la pincelada, ancha que permite construir todos los elementos y que servirán como referente de la corriente del Cubismo que aparecerá a comienzos del siglo XX.

Cerramos nuestro análisis haciendo referencia al tratamiento de la figura humana. En ella podemos destacar la presencia de volúmenes rotundos en los que, sin embargo, es posible apreciar cierta conexión o herencia del legado clásico. Ello es debido al tratamiento del desnudo, sutil, que puede recordarnos a los desnudos clásicos de época griega. En cierto sentido podemos decir que estas bañistas realizadas por Cezanne en los últimos años del siglo XIX suponen una actualización de las venus griegas.

Por cierto y a título de curiosidad la obra planteada para el análisis pertenece a las Grandes bañistas de Filadelfia llamadas así porque se conservan en el museo de arte contemporáneo de dicha ciudad. Como sucede con otros temas estrella de Cezanne, caso de la Montaña de Santa Victoria, también de las bañistas realiza varias versiones como las Bañistas de Londres o las bañistas de Chicago de las que puedes leer una breve reseña en el enlace que se indica a continuación:

BAÑISTAS AL AGUA

Para saber más:

ÁLVAREZ LOPERA, J. Mª. (1994) Historia del arte de la Ilustración al Simbolismo. Planeta, Barcelona.

BECKS-MALORNY, U. (2020) Cézanne. Taschen.

REYERO, C. (1992) El arte del siglo XIX. Biblioteca básica del arte. Anaya, Madrid.

ROSENBLUM, R. y JANSON, H.W. (1992)  El arte del siglo XIX. Akal, Madrid.

Enlace de la imagen utilizada:

GRANDES BAÑISTAS

MAÑANA EN EL RIESENGEBIRGE

 

En la presente entrada vamos a realizar un análisis comentario de la obra "Mañana en el Risengebirge" del pintor alemán Caspar David Friedrich que puedes ver a la izquierda.

Comenzamos con la identificación. Se trata de una obra pictórica, óleo sobre lienzo, perteneciente al estilo del Romanticismo, siglo XIX, primera mitad, época contemporánea.

A continuación, nos centramos en el análisis y comenzamos describiendo el tema. El autor pinta un paisaje, tema recurrente en su obra, de amplios horizontes. Es un paisaje formado por estructuras rocosas envueltas en una niebla lo que les otorga cierto halo fantasmal. Observa que la naturaleza es la protagonista. No obstante, la figura humana también está presente, eso sí hay que esforzarse un poco para encontrarla.

Como puedes observar en la imagen de la derecha, encontramos una elevación montañosa en cuya cima aparece representada una imagen de Cristo crucificado acompañado de dos figuras femeninas. Se repite, por tanto, una constante en muchos cuadros pertenecientes al Romanticismo, la magnitud de la naturaleza frente a una representación del ser humano que aparece en un segundo plano o casi imperceptible.

Otro dato a destacar de la obra es la sensación de espacio que, como puedes apreciar, tiene un gran protagonismo. Friedrich sitúa una elevación montañosa cerca del punto de vista del espectador. Esto es importante porque es donde el ojo se centra y le permite fijarse más allá hacia esa línea del horizonte dominado por elevaciones rocosas que ya hemos mencionado.

La sensación de espacio se consigue también con el uso de los colores, las luces y las sombras. Presta atención porque los tonos tierra se encuentran más cerca del espectador, mientras que los tonos fríos se encuentran más alejados. Esto coincide con las sombras que son más acusadas en primer plano mientras que la luz se hace más evidente a medida que el paisaje se aleja de nuestra percepción. Y otro dato a tener en cuenta es la sensación de ritmo o movimiento que se aprecia en las formas sinuosas de los perfiles rocosos.

Un último aspecto que podemos mencionar en el análisis es el carácter expresivo inherente a la corriente. El Romanticismo destaca por expresar sentimientos y emociones. En el caso que nos ocupa Friedrich lo consigue a través de los recursos empleados, es decir, la luz, las sombras, los colores; sin olvidarnos del carácter místico que parece observarse en la montaña de la cruz. Es el paisaje, en definitiva, el que habla y transmite al espectador. Calma, serenidad, tranquilidad o quizás melancolía y tristeza pueden ser algunas de las emociones que podemos captar.

Cerramos nuestro análisis realizando un repaso al contexto. En los aspectos generales, hemos indicado que la obra pertenece a la primera mitad del siglo XIX. Pleno desarrollo de la Primera Revolución Industrial con importantes cambios a nivel económico y social. Presencia de nuevas fuentes de energía y puesta en marcha de una profunda transformación a nivel urbano. Con respecto a los aspectos concretos del contexto, hemos situado la obra analizada dentro del Romanticismo corriente que aparece entre finales del siglo XVIII y principios del XIX teniendo su máximo desarrollo durante la primera mitad del periodo decimonónico. El Romanticismo tiene su vertiente literaria y musical y en el caso de lo pictórico encontramos representantes en Francia como Gericault o Delacroix; Alemania como Caspar David Friedrich; e incluso en España donde algunas obras de Francisco de Goya pueden considerarse dentro de dicha corriente. Un estilo artístico el Romanticismo que busca emocionar al espectador con el paisaje, los temas de carácter histórico o la inspiración de carácter literario entre otros muchos temas y que nace en oposición a los postulados de vuelta al orden defendidos por el Neoclasicismo.

Para saber más:

CASPAR DAVID FRIEDRICH

ÁLVAREZ LOPERA, J. Mª. (1994) Historia del arte de la Ilustración al Simbolismo. Planeta, Barcelona.

REYERO, C. (1992) El arte del siglo XIX. Biblioteca básica del arte. Anaya, Madrid.

ROSENBLUM, R. y JANSON, H.W. (1992)  El arte del siglo XIX. Akal, Madrid.

WOLF, N. (2008) Romanticismo. Taschen Edición Diario El País, Madrid.

Enlaces de las imágenes utilizadas

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/0b/Friedrich%2C_Caspar_David_-_Morgen_im_Riesengebirge.jpg