A la izquierda puedes ver una fotografía de Walter Gropius arquitecto y fundador del movimiento de la Bauhaus. Esta escuela se pone en marcha en la ciudad de Weimar tras el final de la Primera Guerra Mundial.
Conoce tres periodos: Primera etapa que se desarrolla entre los años entre 1919-1923 con sede en Weimar.
Segunda etapa que se desarrolla entre 1923-1925 donde la sede de la Bauhaus se traslada de Weimar a la ciudad de Dessau.
Tercera etapa que tiene lugar entre los años 1925-1933 donde la escuela vuelve a sufrir un nuevo cambio de sede, esta vez en Berlín, ciudad donde permanecerá abierta esta escuela hasta que sea cerrada por el ascenso del nazismo.
En la imagen puedes ver el exterior de la primera de las sedes que tiene la Bauhaus en Weimar.
Arriba puedes ver el exterior de la sede Bauhaus en Dessau con cuyo edificio se busca la funcionalidad. A continuación te propongo otra imagen más de dicha sede.
En el seno de la Bauhaus se ponen en marcha talleres donde se observa una estrecha relación entre los profesores (maestros de taller) y los alumnos. Los diseños realizados en el seno de la Bauhaus son vendidos como patentes para la industria de manera que buena parte de dichos diseños se pueden encontrar actualmente en el mercado.
Arriba puedes ver una foto de la Silla Wassily diseñada por Marcel Breuer realizada en estructura de tubos de acero.
Arriba a la izquierda puedes ver otro mueble de asiento diseñado también por Marcel Breuer, en este caso se trata del sillón modelo B55 diseñado en 1955.
Aquí os dejo un breve vídeo sobre la historia de la Bauhaus
Y a continuación un vídeo sobre mobiliario de la Bauhaus.
Bibliografía:
V. V. A. A. (2006) Arte desde 1900. Akal. Madrid.
GÖSSEL, P. y LEUTHÄUSER, G. (2005) Arquitectura del siglo XX. Taschen 2vols.
Referencia de las imágenes utilizadas para esta entrada: Wikipedia.
Piero della Francesca es un pintor cuya trayectoria pictórica se documenta en la segunda mitad del siglo XV. Su producción pictórica se centra en el trabajo de la técnica del fresco, si bien sus obras pictóricas deben considerarse una puesta en práctica de sus ensayos teóricos sobre la perspectiva y la geometría.
Sobre estas líneas puedes ver la obra "La Resurrección" que fue realizada en la década de los 50 del siglo XV y se conserva actualmente en el Museo Municipal Borgo San Sepolcro. Claves para entender esta obra: -El tema está dentro de la iconografía religiosa y representa el momento en que Cristo está saliendo victorioso del sepulcro.
-Della Francesca utiliza el paisaje pero no como mero comparsa sino para reforzar la sensación espacial.
-Las figuras representadas destacan por su extraordinaria solidez, subrayado en el uso del color, las sombras y la luz incidiendo esta última sobre el cuerpo semidesnudo de Cristo y el rostro de uno de los soldados que aparecen dormidos. A destacar el sopor que reflejan los cuerpos de los soldados y que contrasta con la energía de la figura de Cristo emergiendo con paso firme del interior del sepulcro.
-Observamos una composición piramidal. Además debe añadirse la presencia de una línea vertical marcada por el cuerpo de Cristo; así como la presencia de curvas en la postura corporal de cada uno de los soldados colocados delante del sepulcro. Sin olvidarnos de la horizontal marcada por la base del sepulcro.
En torno a finales de la década de los 60 y comienzos de los 70 del siglo XV, se documenta la estancia de Piero della Francesca en la ciudad de Urbino donde entra al servicio del Federico de Montefeltro Duque de Urbino.
Para el duque realiza diversos retratos, entre otros, este retrato doble donde vemos al duque acompañado de su esposa. Ambos personajes aparecen representados de perfil recordando así a los retratos de los emperadores romanos que aparecen también de perfil en las monedas de la época. No olvides tampoco la importancia del paisaje que dispone Della Francesca como fondo.
Arriba puedes ver una de las obras más importantes realizadas por Piero della Francesca. Se trata de "La sacra conversación" también conocida por otros nombres como: "Madonna del duque de Urbino" o "Virgen con el niño y santos" La obra fue realizada en 1472, se trata de un óleo sobre tabla que actualmente se conserva en la Pinacoteca Brera de Milán.
Claves para entender la obra: -Importancia de un espacio arquitectónico de influencia clásica para reforzar la sensación espacial.
-La figura más importante es la Virgen que aparece sentada en el centro de la composición. Sobre su regazo aparece colocado el niño tumbado. El lugar donde está colocada la Virgen aparece elevado del suelo.
-La Virgen aparece rodeada de santos y en el margen inferior derecha está representado el propio Federico de Montefeltro vestido con armadura y que aparece de rodillas en actitud orante.
-Destaca la presencia de composición piramidal que viene marcada por la figura de la Virgen. A ello debe añadirse la presencia de líneas verticales y la diagonal marcada por la figura del niño y la espada del duque.
-Destaca la solidez de las figuras.
-El uso de la luz que es uniforme e incide de lleno en todos los personajes representados.
-La presencia de una concha o venera de la cual pende un huevo colocado justo encima de la cabeza de la Virgen. El huevo ha sido considerado como una especie de símbolo de la eternidad.
Aquí os dejo un vídeo sobre este cuadro.
Bibliografía:
V. V. A. A. (1994) Historia
Universal del Arte. Renacimiento (I). Planeta.
V. V. A. A.
(1994) Historia Universal del Arte.
Renacimiento (II) y Manierismo. Planeta.
FUSCO, R. (1999)
El Quattrocento en Italia. Istmo.
Fuente de las imágenes utilizadas para esta entrada: Wikipedia.
En la imagen de arriba podéis ver el interior de la Villa Saboya obra del arquitecto Le Corbusier otro de los representantes del funcionalismo arquitectónico.
Las claves para entender la arquitectura de Le Corbusier pueden resumirse en los siguientes puntos:
1-La casa o el edificio debe ser construido sobre pilotes para que el suelo quede completamente libre.
2-La cubierta del edificio debe prescindir del perfil inclinado para abrazar un cerramiento en forma de terraza de manera que se pueda dar una nueva utilidad a este emplazamiento.
3-El plano del edificio debe ser libre y no estar rígidamente distribuido por tabiques fijos.
4-La importancia de la presencia de una ventana continua desarrollada en horizontal.
5-La facha libre, es decir, independiente de la estructura portante.
Esta vista interior de la misma casa puedes apreciar, además, la importancia de los espacios amplios y diáfanos; y cómo el empleo de ventanales dispuestos en horizontal permite una excelente conexión entre el interior y el exterior del edificio.
Arriba podéis apreciar una imagen del exterior de la Villa Saboya donde se puede observar la presencia de pilotes para sostener la estructura dejando un espacio libre para poder circular debajo del edificio.
Arriba puedes ver una detalle de Unidad de habitación de Marsella. Las claves de este edificio son:
-Fue construido entre los años 1947-1952
-Como material utiliza el hormigón armado y el vidrio.
-Se trata de un edificio de viviendas destinado a miembros de la clase media de la Marsella de mediados del siglo XX.
-En su estructura predomina la horizontalidad como si se hubiera tumbado un rascacielos.
-El edifico se levanta sobre pilote que elevan la estructura del suelo liberando este espacio para permitir el tránsito y circulación de personas.
-El edificio cumple la función residencial pero también integra espacios comunales como lavandería, salón de actos, restaurantes etc.
-La cubierta del edificio tiene forma de terraza plana y está pensado para poder ser utilizada por la comunidad.
-Se observa ausencia de ornamentación. Si bien es cierto que en los balcones y ventanas puede apreciarse el empleo de colores básicos, azul, rojo y amarillo; conectando así con el movimiento De Stijl.
En el siguiente vídeo de youtube os podéis dar un paseo virtual por la Unidad de habitación de Marsella.
Arriba puedes ver una imagen del exterior de la Unidad de habitación de Berlín construido en 1957 y donde Le Corbusier sigue los mismos parámetros que en la Unidad de habitación de Marsella. A continuación puedes ver otra imagen del edificio de Berlín.
Sobre estas líneas puedes ver una imagen del exterior de la Capilla de Notre Dame du Haut que Le Corbusier construye en 1954. Es un ejemplo de arquitectura religiosa donde sigue parámetros similares a los observados en otros edificios del autor. Lo más llamativo reside en el contraste cromático entre el muro blanco y el gris de la cubierta. También se observa la presencia de formas modulares con la presencia de rectángulos que configuran los vanos de dicha capilla.
A continuación puedes ver otras vistas del exterior e interior de este edificio:
La capilla anteriormente mencionada no es el único edificio de carácter religioso diseñado por Le Corbusier. Entre los años 1957-1960 se encarga de la construcción del Monasterio de la Tourette en Lyon.
En las imágenes puedes ver diferentes aspectos de la construcción, incluyendo el refectorio el lugar de comida de los monjes. Ten en cuenta que el edificio adopta un aspecto de fortaleza semejante a los monasterios medievales. Además, cumple las mismas funciones que aquellos. La principal novedad reside en los materiales empleados en su construcción.
Bibliografía:
V. V. A. A. (2006) Arte desde 1900. Akal. Madrid.
GÖSSEL, P. y LEUTHÄUSER, G. (2005) Arquitectura del siglo XX. Taschen 2vols.
Fuente de imágenes utilizadas para la presente entrada:
En esta entrada vamos a pararnos en otra obra relevante de Masaccio para que tengas en cuenta las claves esenciales a nivel técnico y formal.
Esta obra se conoce con el nombre de la Trinidad es una pintura mural realizada con la técnica al fresco realizada en 1427 para la iglesia de Santa María la Novella de Florencia.
A nivel iconográfico nos encontramos ante una obra de iconografía religiosa que respresenta la Trinidad. Tenemos la figura de Dios Padre que aparece de pie colocado detrás de la cruz en ademán de sostenerla con sus manos. Sobre la cruz aparece la figura de Cristo crucificado y por encima de su cabeza podemos apreciar la representación del Espíritu Santo como una pequeña paloma blanca.
A los pies de la cruz encontramos a la Virgen María, situada a nuestra izquierda; y a San Juan, situado a nuestra derecha. Todo este conjunto de figuras sagradas aparecen colocados en el interior de un espacio arquitectónico de reminiscencias clásicas. Fuera de dicho espacio apreciamos a dos figuras que aparecen de rodillas, los donantes, que aparecen al mismo tamaño que el resto de los personajes, dando así una gran importancia al volumen de las figuras.
En el plano inferior podemos observar la presencia de una tumba sobre cuya cubierta aparece representado de un esqueleto. Dicha figura está acompañada de una inscripción latina que recuerda la mortalidad del ser humano.
podemos apreciar cómo funciona la obra desde el punto de vista formal:
-Masaccio utiliza una bóveda de cañón decorada con casetones para crear sensación de espacio que le permita huir de la representación simbólica de la Edad Media.
-Todas las figuras aparecen incluidas en un triángulo cuyo vértice es la cabeza de Dios Padre, los laterales engloban a la Virgen, San Juan y los donantes; y la base es la propia estructura del espacio arquitectónico.
-La bóveda de cañón está enmarcada por dos arcos de medio punto que descansan sobre sendas columnas y que refuerzan la construcción espacial. Puedes verlos de forma más clara en la escena central donde el espacio se ha vaciado de figuras.
-Además, Masaccio establece una línea de horizonte que coincide con la línea horizontal que marca la base de la construcción. En esa línea pueden trazarse un punto de referencia que coincide con el punto visual del espectador. En torno a ese punto confluyen la mayor parte de las líneas compositivas, especialmente, aquellas que recorren la zona superior de la composición.
-Por último indicar que tanto los arcos, como la bóveda, las columnas, pilastras y capiteles que utiliza Masaccio para construir el espacio arquitectónico de esta pintura mural ponen de relieve una clara influencia del arte clásico coincidiendo, por tanto, con el renacer que defiende la corriente renacentista.
Os dejo un vídeo sobre la Trinidad de Masaccio
Bibliografía:
V. V. A. A. (1994) Historia Universal del Arte. Renacimiento (I). Planeta.
V. V. A. A. (1994) Historia Universal del Arte. Renacimiento (II) y Manierismo. Planeta.
V. V. A. A. (1992) Masaccio catálogo completo. Akal.
Aquí puedes ver un retrato de Masaccio pintor del Renacimiento en Italia que estuvo activo durante la primera mitad del siglo XV. Su trayectoria vital y profesional es breve pues nace en 1401 y muere en 1428. Pese a su corta carrera es considerado uno de los pintores renacentistas más relevantes del Cuattrocento pues fue uno de los primeros en aplicar en sus obras la perspectiva defendida por Brunelleschi en sus tratados.
A continuación os dejo un análisis comentario de una de sus obras más importantes.
Obra pictórica. Pintura mural con la técnica al fresco. Perteneciente al Renacimiento italiano, más concretamente, siglo XV. Es una obra de Masaccio. Se conoce bajo el título del Tributo y fue realizada para la Capilla Brancacci situada en el interior de la iglesia del Carmine en Florencia.
Dentro del análisis nos centramos en el tema. Se trata de una obra de temática religiosa que está reproduciendo un pasaje del evangelio donde un recaudador de impuestos exige a Jesús y a sus discípulos el pago del impuesto, ordenando Jesús a Pedro que pesque un pez donde encontrará la moneda con la que pagar dicho tributo.
Masaccio nos narra el tema de la siguiente forma. En la zona central encontramos a Jesús rodeado de sus apóstoles. De espaldas al espectador y vestido a la moda del siglo XV, con jubón y calzas, aparece el recaudador de impuestos exigiendo el pago del impuesto. Al mismo tiempo podemos observar el gesto de Jesús que ordena a Pedro que vaya a buscar la moneda. En el margen de la izquierda encontramos a Pedro que, despojado del manto, está sentado a la orilla del río pescando un pez. Por último, en el margen derecho de la composición volvemos a encontrarnos con Pedro quien está depositando en la mano del recaudador la moneda con la que pagar el impuesto. Por tanto tenemos tres escenas que coinciden en el mismo espacio físico aunque transcurren en un espacio temporal diferente.
En este detalle que os propongo podemos analizar algunos aspectos formales. En primer lugar el tratamiento de las figuras de gran solidez y volumen conseguido gracias al uso del color, la luz y las sombras. Esto se observa en el tratamiento de los pliegues que envuelven a los personajes y también en la manera de colocar los pies. En este detalle puedes apreciar, además, cómo se consigue la referencia espacial visible en la línea curva del agua que desemboca en las montañas del fondo. Pero también en el uso de la perspectiva que hace que Jesús y los discípulos al estar colocados más cerca de nuestro punto de visión sean de mayor tamaño; mientras que Pedro que aparece pescando se encuentre más alejado de nosotros y por tanto su figura sea más pequeña.
Volviendo a la imagen general de la obra, ten en cuenta que las figuras centrales forman un círculo rodeando a Jesús. Este personaje es el principal de la composición en el cual fija su mirada el espectador. Además, la línea de horizonte puede trazarse en el grupo principal siendo Jesús el personaje en torno al cual confluyen todas las líneas compositivas que podemos trazar en la obra.
Arriba puedes ver otro detalle, esta vez del margen derecho, donde Masaccio utiliza una estructura arquitectónica para construir el espacio compositivo. Observa, además, que sendos personajes trazan diagonales que confluyen en la unión de las manos donde se observa el gesto de depositar y recoger la moneda.
En este detalle puedes apreciar la importancia otorgada a los rostros. Cada figura tiene un rostro individualizado. Los rasgos aparecen marcados gracias al trabajo del color y el empleo de luces y sombras. Ademas si te fijas puedes apreciar que la luz incide sobre los personajes principales, mientras que son sus pies los que proyectan sombras.
Con respecto al contexto, hemos indicado que se trata de una obra que pertenece al Renacimiento italiano periodo que se desarrolla durante dos siglos, XV y XVI. El mapa político de Italia nos muestra un país organizado en ciudades estado cada una de ellas con su propia política y sistema económico. Al frente de cada una de ellas nos encontramos un personaje destacado como los Médici en Florencia. Son personas con una esmerada formación política y militar pero también auténticos entendidos en arte, es decir, son mecenas no encargan solo obras sino que protegen y forman a futuros artistas.
Durante este periodo debe hablarse de los avances que se obtienen en diferentes ámbitos y sobre todo de la corriente del Humanismo que inunda el Renacimiento. Con el Humanismo el hombre es el centro de todo y eso se observa en el arte. En el caso que nos ocupa, además, pese a representar un tema de carácter religioso el tema es una excusa para dar rienda suelta al estudio de la figura humana y sobre todo la construcción del espacio gracias al empleo de la perspectiva geométrica defendida por Brunelleschi y Alberti en sus respectivos tratados teóricos.
Bibliografía:
V. V. A. A. (1994) Historia
Universal del Arte. Renacimiento (I). Planeta.
V. V. A. A.
(1994) Historia Universal del Arte.
Renacimiento (II) y Manierismo. Planeta.
V. V. A. A. (1992) Masaccio
catálogo completo. Akal.
Fuente de las imágenes utilizadas en esta entrada Wikipedia.
Unos datos a recordar sobre Mies Van de Rohe, arquitecto alemán fue profesor de la Bauhaus centro en el que también desempeñó la faceta de director, especialmente en la última etapa de vida del centro hasta que fue clausurado en 1933.
Arriba puedes ver una imagen del Pabellón alemán que Mies diseñó para la Expo de Barcelona de 1929. La imagen corresponde, en realidad, a una reconstrucción que se realizó en 1986. Si observas con atención puedes apreciar algunas claves de la arquitectura funcionalista:
-Presencia de espacios abiertos.
-Empleo de pilares de acero y de muros, donde es necesario, para sostener el edificio.
-Empleo de una estructura modular, basada en el rectángulo, apreciable en el pavimento, paredes y cubierta.
-Ausencia de elementos ornamentales añadidos. La decoración está presente en la combinación de colores en el material y las líneas compositivas.
-El edificio no se levanta a ras del suelo sino sobre una plataforma rectangular. Se accede al interior a través de una pequeña escalera.
-En cuanto a los materiales encontramos el empleo de acero, vidrio y mármol de colores.
En esta otra imagen puedes observar la presencia de un pequeño estanque artificial que precede la fachada del pabellón.
Se tiene en cuenta la función de la construcción poder albergar una exposición en su interior. Además, en el interior se exhibieron muebles de asiento diseñados por el propio Mies y que fueron denominadas como sillas Barcelona.
A la derecha tienes una vista del interior del pabellón. Con esta imagen puedes apreciar la presencia de módulos rectangulares en el amplio ventanal que aparece al fondo.
A raíz del cierre de la Bauhaus en el Berlín de 1933, Mies Van de Rohe sigue el ejemplo de otros colegas suyos y decide emigrar a Estados Unidos. Es allí donde inicia un nuevo periplo profesional que le lleva a compaginar la enseñanza con la realización de importantes encargos. A continuación os incluyo imágenes de algunos de sus encargos más importantes.
A la izquierda puedes ver una vista general de la Casa Farnsworth en Plano Illinois construida en 1946.
Como podéis apreciar la construcción se levanta sobre una plataforma rectangular con escaleras de acceso. Sobre dicha plataforma encontramos la casa propiamente dicha que también responde a una planta rectangular. La misma distribución modular se repite en los muros, concebidos con amplios ventanales, y en la cubierta con un tejado voladizo en la parte delantera. En dicha zona observamos que la cubierta se apoya sobre dos pilares configurando un espacio a modo de porche.
Sobre estas líneas puedes ver los Apartamentos Lake Shore Drive de Chicago que Van de Rohe construye en la ciudad del viento en 1949. Es interesante este último dato pues en esta ciudad se pone en marcha, alrededor de 1870, la Escuela de Chicago que se puede considerar un precedente de la corriente funcionalista.
Si te fijas en los apartamentos realizados por el arquitecto alemán observamos:
-Presencia de un módulo para construir el edifcio.
-El muro no es portante, lo es la estructura interna del edificio; el muro es tan sólo la epidermis de dicho edificio.
-Ausencia de elementos ornamentales añadidos.
-Cubierta plana, es decir, con forma de terraza algo común a buena parte de los rascacielos.
-Materiales, empleo de acero y vidrio.
-Tener presente la función del edificio como carácter residencial y comercial.
Los mismos elementos arriba mencionados pueden aplicarse al último edificio que te propongo de este arquitecto, el Edificio Seagram que fue construido en Nueva York en el año 1958.
Aquí os dejo un vídeo para que podáis dar un paseo virtual por el Pabellón de Barcelona.
Bibliografía:
V. V. A. A. (2006) Arte desde 1900. Akal. Madrid.
GÖSSEL, P. y LEUTHÄUSER, G. (2005) Arquitectura del siglo XX. Taschen 2vols.
Fuentes de las imágenes utilizadas en esta entrada, wikipedia.
ANÁLISIS COMENTARIO CASA KAUFMANN O CASA DE LA CASCADA
Obra arquitectónica. siglo XX primera mitad. Estados Unidos. Casa Kaufmann o Casa de la cascada. Frank Lloyd Wright.
La Casa Kauffman se inscribe dentro de la arquitectura funcionalista, movimiento que aparece en las décadas de los 40-50 tras la finalización de la Segunda Guerra Mundial y el comienzo de la Guerra Fría.
El edificio fue construido por Wright en torno a la década de los 30 periodo convulso a nivel internacional. La casa está construida en medio de un paraje natural asentado en la base de una cascada. Desde el punto de vista estructural está organizada en tres plantas construidas a partir de planos verticales de piedra (,uros y chimeneas) que se oponen a los planos horizontales de hormigón (terrazas en voladizo). Con esta oposición se consigue cierto efecto rítmico equilibrándose estos planos sobre la superficie rocosa. Además, la cascada que aparece en la base del edificio como un elemento más de la estructura, potencia la asimetría entre la horizontalidad construida y la verticalidad natural.
En el interior cada planta tiene una disposición totalmente libre buscando el espacio unitario, es decir, no aparece compartimentado por tabiques. El empleo de materiales como la piedra y la madera contribuyen, al igual que sucede con el exterior, a mimetizar la casa en el entorno natural en el que se inscribe. Por otra parte en el interior destaca el empleo de amplios ventanales horizontales que, unido a la presencia de terrazas, contribuye a establecer una perfecta conexión y comunicación entre el espacio interior y el exterior. De este modo se evita la sensación de encontrarse ante un espacio cerrado y hermético.
Indicar, además, que la Casa Kaufmann hace realidad uno de los sueños de Wright, poder vivir en medio de la naturaleza sin renunciar a las comodidades, es decir, conjugar ecologismo y progreso. Con respecto a Frank Lloyd Wright indicar que comienza su producción arquitectónica a comienzos del siglo XX tras diseñar su residencia familiar. El éxito obtenido con dicha construcción es tal que comienza a construir una serie de casas que se conocen con el nombre genérico de "Casas de la pradera" como, por ejemplo, la Casa Robbie. Al margen de las construcciones de carácter residencial debe indicarse su colaboración en el edificio del Museo Guggenheim de Nueva York.
A la izquierda puedes ver el exterior del Museo Guggenheim de Nueva York uno de los últimos proyectos realizados por Wright a finales de la década de los 50. Algunas de las claves de este edificio son:
-Empleo de una espiral forma utilizada para articular el edificio que se desarrolla orgánicamente en vertical a través de un gran pasillo interior.
-Dicho pasillo tiene un carácter ininterrumpido y es considerado el corazón del edificio dando así continuidad espacial y visual al mismo.
-El edificio se cierra gracias al empleo de una cubierta de cristal que remata el edificio permitiendo así la iluminación cenital.
-Como materiales se utiliza el hormigón armado, acero y vidrio.
En la imagen de la derecha puedes ver una vista del interior del edificio, de cómo se organiza el museo. Fíjate en las formas orgánicas que conforman los pasillos interiores que se superponen en altura. También puedes apreciar un detalle de la cubierta cenital.
Para la distribución del espacio interno, Wright tiene en cuenta el diseño de la escalera de caracol que puede observarse en el interior de los Museos Vaticanos diseñada por Giuseppe Momo en 1930.
Sobre estas líneas puedes ver otra imagen con el interior del Museo Guggenheim y debajo una vista de la escalera de los Museos Vaticanos.
A la derecha puedes ver una imagen del exterior de la Casa Robbie construida en 1910 y que puede inscribirse dentro del modelo Casa de la pradera. Se observa la disposición de cuerpos en alturas con la combinación de líneas verticales y horizontales, y la presencia de tejados en voladizo.
Aquí puedes ver una imagen en blanco y negro del interior de la casa donde es posible apreciar la existencia de grandes espacios abiertos e unificados.
Aquí puedes ver un breve vídeo sobre la casa de la Cascada.
Bibliografía:
V. V. A. A. (2006) Arte desde 1900. Akal. Madrid.
GÖSSEL, P. y LEUTHÄUSER, G. (2005) Arquitectura del siglo XX. Taschen 2vols.
Fuente imágenes utilizadas para esta entrada Wikipedia
.jpg/1280px-Museo_Solomon_R._Guggenheim_de_Nueva_York_(2018).jpg)
