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jueves, 5 de noviembre de 2020

LA IMPORTANCIA DEL CARTEL

¿Qué es un cartel? Un cartel es una obra de diseño gráfico que se sirve de la combinación de texto e imagen para transmitir un mensaje.

¿Cuál es el origen? Podemos hablar de la aparición de la imprenta de Gutenberg cuando se empiezan a diseñar los primeros protocarteles, aunque el cartel tal y como lo conocemos en la actualidad hace acto de presencia en 1796 cuando Aloys Senefelder invente la litografia. El método litográfico consiste en dibujar sobre una superficie plana de piedra con un lápiz o pluma grasos; se extiende agua sobre la piedra para mojar todas las zonas menos la imagen dibujada con aceite que repele el agua; a continuación se unta la piedra con una tinta grasa que se adhiere a la imagen pero no a las partes húmedas de la piedra; finalmente se coloca una hoja de papel sobre la imagen y se usa una prensa de imprimir para transferir al papel la imagen entintada. 

A continuación os dejo un vídeo del proceso:


En 1837 se da un paso importante en esta técnica con la aparición de la cromolitografia que permite utilizar planchas de piedra independientes una para cada color; nace así los carteles publicitarios tal y como los conocemos en la actualidad.

En la imagen de la izquierda puedes ver un cartel diseñado por Jules Cheret considerado uno de los padres del cartel moderno, el otro ya sabes que es Tolouse Lautrec.

En los carteles de Cheret la mujer es la protagonista, en este caso La Loïe Fuller una bailarina muy conocida en el Folies Bergere que se caracterizaba por ejecutar arabescos sobre el escenario.

Fíjate cómo destaca el fondo oscuro para resaltar la figura jugando con los colores primarios y sus complementarios. El texto aparece relegado a la zona inferior y superiore del cartel. El elemento visual reclama toda la atención del espectador.

Los carteles diseñados por Cheret se centran en promocionar espectáculos pero también diversos productos y siempre es la mujer la protagonista. Las mujeres de estos carteles reciben el nombre de las Chérets y representan la alegría de vivir de la época; da igual que promocionen cacao que un vino popular.

A la derecha puedes ver uno de los carteles más célebres de este autor; de nuevo el protagonismo es femenino que destaca por su vestido amarillo en el que incide la luz; observa que juega con las sombras que aparecen al fondo en relación al espectáculo que está promocionando un espectáculo de sombras chinescas claro precedente del cine.

Otros carteles celebrados de este autor son los que promocionan espectáculos de carnaval, del Teatro de la Ópera de París o bailes para estudiantes. En todos ellos destaca el empleo de las formas curvas, la superposición de figuras con las que crear espacio, la combinación de colores primarios que llamen la atención del espectador y una colocación estratégica del texto. Bajo estas líneas puedes ver otros carteles del mismo autor.









Otra de las figuras importantes del cartel es Alfons Mucha del que puedes ver una muestra de su trabajo en la imagen de la izquierda.

Mucha adquiere una gran fama cuando la gran dama del teatro francés Sarah Benhardt le contrata en exclusiva para que realice carteles de sus representaciones teatrales. En estos carteles es la propia actriz la protagonista caracterizada como el personaje que interpreta en la función.

En otros carteles, Sarah aparece caracterizada como Medea imitando en el grafismo una tipografía que recuerda a las letras utilizadas en algunas cerámicas griegas.

Alfons Mucha es uno de los más destacados cartelistas del periodo Art Nouveau. En sus carteles observamos la presencia de una mujer de cabello largo y ensortijado, que aparece vestida de época, con la presencia de los elementos curvos. Signos que no sólo están presentes en la cartelería de este autor, sino también en una serie de cuadros donde el gusto por el folklore y lo exótico se hace evidente. Bajo estas líneas puedes ver otras muestras del trabajo de este autor:









Nuestra última parada es Leonetto Cappiello quien es un afamado caricaturista y cartelista italiano en activo en la primera mitad del siglo XX. A la derecha puedes ver una muestra de su trabajo en este caso para promocionar una marca de chocolate suizo.

Observa el fondo neutro en el que aparece la figura femenina vestida a la moda de la época y subida a un caballo rojo.

En otros casos sus carteles promocionan una carrera de automóviles, un balneario, o un periodo satírico. Sus composiciones pueden ser en grupo o en solitario destacando, al igual que sucedía con Jules Cheret a la figura femenina como reclamo. Bajo estas líneas puedes ver otras muestras del trabajo de este autor:




















Para saber más

Mucha Foundation

SOUTER, N. El arte de la ilustración. Una guía sobre los mejores ilustradores del mundo. Lisma, Madrid 2008.

Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada:

https://es.wikipedia.org/wiki/Jules_Ch%C3%A9ret#/media/Archivo:Cheret,_Jules_-_La_Loie_Fuller_(pl_73).jpg

https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Jules_Ch%C3%A9ret#/media/File:Cheret,_Jules_-_Pantomimes_Lumineuses_(pl_41).jpg

https://es.wikipedia.org/wiki/Jules_Ch%C3%A9ret#/media/Archivo:Les_Ma%C3%AEtres_de_l'Affiche_-_9_-_Carnaval_1896._Samedi_Gras_15_f%C3%A9vrier._Grand_Veglione_de_Gala_(bgw20_0301).jpg

https://es.wikipedia.org/wiki/Jules_Ch%C3%A9ret#/media/Archivo:Cheret,_Jules_-_Paris_Courses_(pl_61).jpg

https://es.wikipedia.org/wiki/Cartelismo#/media/Archivo:Alfons_Mucha_-_1894_-_Gismonda.jpg

https://es.wikipedia.org/wiki/Alfons_Mucha#/media/Archivo:Savonnerie_de_bagnolet_Alfons_Mucha.jpg

https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Posters_by_Alfons_Mucha#/media/File:Alphonse_Mucha_-_Job_Cigarettes_1.jpg

https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Posters_by_Alfons_Mucha#/media/File:Alphonse_Mucha_-_Cycles_Perfecta.jpg

https://es.wikipedia.org/wiki/Leonetto_Cappiello#/media/Archivo:Leonetto_Cappiello_-_Chocolat_Klaus.jpg

https://es.wikipedia.org/wiki/Leonetto_Cappiello#/media/Archivo:Leonetto_Cappiello_-_P%C3%A2tes_Ferrari.jpg

https://es.wikipedia.org/wiki/Leonetto_Cappiello#/media/Archivo:Livorno_stagione_balneare,_poster_by_Leonetto_Cappiello,_1901.jpg

https://es.wikipedia.org/wiki/Leonetto_Cappiello#/media/Archivo:Le_Frou_Frou,_journal_humoristique,_poster_by_Leonetto_Cappiello,_1899.jpg

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miércoles, 4 de noviembre de 2020

EL ARA PACIS DE AUGUSTO

 

En esta entrada vamos a analizar el Ara Pacis de Augusto que puedes ver en la imagen de la izquierda. Nos encontramos ante una obra arquitectónica de carácter conmemoratio que contiene relieves en su exterior. Pertenece a la Antigüedad clásica, civilización romana siglo I periodo imperial.

Centrándonos en el análisis podemos indicar en primer lugar su función. Se trata de una construcción que alberga en su interior un altar, de ahí el nombre de Ara, altar al que se accede a través de una escalera frontal. Los altares son utilizados en Roma para realizar ofrendas o sacrificios a los dioses. Recuerda que los altares ya eran usados los griegos en el exterior de los templos. Hablamos, por tanto, de un edificio que tiene una función de carácter religiosa. Pero también es posible rastrear una segunda función pues fue mandado construir por el propio Augusto para conmemorar la Pax Augustea, de manera que tiene un trasfondo de propaganda política, pues simboliza la unión del Imperio tras haber sometido a todos los pueblos bárbaros.

En la imagen de la derecha puedes ver otro detalle del Ara Pacis que nos va a servir para comentar los aspectos formales. En este sentido nos centramos, en primer lugar, en la estructura del conjunto, planta rectangular que no presenta techumbre. El acceso se realizar por una escalinata frontal que nos conduce al altar. La zona trasera también se abre al exterior pero no presenta escalinatas.

El material utilizado para la construcción del monumento fue mármol pero aquí lo interesante no reside tanto en la estructura arquitectónica, sino en sus relieves. El Ara Pacis está rodeado de relieves que representan a los miembros de la familia de Augusto y al propio emperador en procesión.


En la imagen que aparece a la izquierda puedes ver un detalle de dicha procesión. Observa que los personajes interactúan entre sí a través de los gestos de los brazos o de la expresión de los rostros.

Destaca el volumen conseguido mediante el tratamiento de los pliegues de las togas que portan. Fíjate en la sensación de espacio obtenida mediante la colocación de los personajes, los niños en primer plano, los adultos en segundo plano de cuerpo entero con gran volumen y otro grupo de adultos en tercer plano de los que solo se destacan las cabezas.


En otras partes del monumento los relieves que nos encontramos reproduce escenas de carácter simbólico. En la imagen de la derecha puedes ver uno de ellos. La mujer que aparece sentada con dos niños es un símbolo de Roma que aparece como una matrona romana. Las matronas eran las mujeres destinadas a amamantar y críar a los niños romanos, y en este caso se hace un símil de Roma como una madre para sus hijos los integrantes de las diferentes provincias del imperio. A la figura central la acompañan dos figuras simbólicas que hacen referencia al viento (la mujer sentada en el cisne) y el mar (la mujer sentada en el monstruo marino) a los pies aparecen dos animales toro y un cordero símbolo de la prosperidad del imperio.

A destacar el efecto de espacio conseguido con la superposición de los diferentes personajes, por ejemplo los animales en primer término, la matrona en segundo plano; las alas del cisne, la mujer sentada etc. Se observa también jerarquía que viene dado por la figura central; el volumen conseguido con el trabajo de las telas con una clara reminiscencia a Fidias; y la presencia de motivos de carácter vegetal. Todo ello sin olvidarnos de la importancia narrativa que puede observarse en todos los relieves que integran el Ara Pacis y conectando así con otros monumentos conmemorativos similares como los arcos de triunfo.

En cuanto al contexto, en los aspectos generales debemos indicar que la civilización romana nace en la península itálica con un sistema político que va evolucionando desde una monarquía inicial pasando por una República y un Imperio.

Los romanos presentan una sociedad muy jerarquizada y una importante base militar pues el ejército se convierte en el principal motor de expansión del imperio, una expansión organizada en dos fases: conquista y romanización.

En el caso de la religión, los romanos adoptan los dioses griegos si bien durante el imperio consideran dios al emperador al que se le conoce con el nombre genérico de César.

Con respecto a los aspectos concretos podemos indicar que la obra analizada pertenece a la arquitectura conmemorativa romana. El emperador Augusto lo manda levantar tras haber conseguido unificar todos los territorios que componen el imperio romano. Nos encontramos ante un monumento utilizado como propaganda política y que marca el inicio del Alto Imperio cuando Roma se encuentra en todo su esplendor político y militar.

Con esta obra no se ensalza solo la figura del emperador sino también la de su familia pues la dinastía Julio-Claudia una de las más poderosas de los primeros tiempos del imperio romano descendientes directos del gran Julio César.

Por último os dejo un video que recrea el Ara Pacis a todo color:


Para saber más:

BIANCHI BANDINELLI, R. y TORELLI, M. (2016) El arte de la antigüedad clásica. Etruria y Roma. Akal.

Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada:

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RETRATO DE AUGUSTO DE PRIMA PORTA

 



En esta entrada vamos a analizar el Retrato de Augusto de Prima Porta cuya imagen puedes ver a la izquierda. Se trata de una escultura exenta o de bulto redondo realizada en mármol con la técnica sustractiva o de talla directa. Perteneciente a la Edad Antigua, civilización romana. Siglo I época imperial.

Centrándonos en el análisis nos paramos en primer lugar en el tema. Nos encontramos ante la representación de una figura humana representado de pie. Es el retrato del primer emperador romano Augusto que aparece vestido con coraza militar cubriendo la parte inferior de su cuerpo con una toga que sostiene con su brazo izquierdo. Dentro de la clasificación de los retratos imperiales nos encontramos ante un retrato Imperator pues el personaje aparece victorioso como símbolo del poder político y militar. Observa que su brazo derecho aparece levantado en ademán de dirigirse a su ejército; mientras que al lado de su pierna derecha aparece representado una figura de pequeño tamaño que simboliza la victoria. Además la coraza que viste Augusto está decorada con relieves que aluden a sus campañas militares.

El retrato cumple una doble función por un lado representar al emperador con unos rasgos idealizados y por otro servir como propaganda del poder político y militar.



Con respecto a los aspectos formales ya hemos indicado que Augusto aparece de pie con la mirada dirigida al frente. Recoge la herencia del arte griego en la colocación de las extremidades inferiores. Fíjate en que la pierna derecha aparece completamente estirada y el pie se apoya de manera firme en el suelo; sobre esta pierna recae todo el peso del cuerpo mientras que la pierna izquierda aparece desplazada hacia atrás con la rodilla flexionada. Observa además que el pie izquierdo no está apoyado por completo en el suelo, solo la zona delantera dejando la parte trasera en el aire. Estamos por tanto ante el empleo del contraposto visible en las esculturas griegas. Sin embargo, en este caso no podemos percibir la colocación de las caderas al estar cubiertas por la toga.

Observa cómo las extremidades inferiores aparecen conectadas con las superiores. El brazo derecho aparece levantado hacia arriba, mientras que el brazo izquierdo está colocado hacia atrás y flexionado para recoger la toga.



En cuanto al rostro cuyo detalle puedes ver en la imagen de la izquierda, llama la atención la presencia de unos rasgos muy marcados: nariz afilada, pómulos marcados lo que conectaría con la tradición griega de adaptar los rasgos de los difuntos en mascarillas funerarias que sirven de base para la confección de las esculturas que conforman la ceremonia del elogio. En todo caso nos encontramos ante un retrato idealizado del emperador como lo demuestra los rasgos del rostro de un hombre joven. Fíjate en que el emperador aparece representado siguiendo la moda de la época, es decir, con el cabello corto ligeramente pegado a la frente y un rostro imberbe.




En cuanto a las líneas compositivas podemos observar una vertical que recorre la figura. También la presencia de una diagonal que recorre el brazo derecho y termina en el izquierdo cruzando toda la figura. Diagonales observamos también en los pliegues de la toga donde es posible apreciar formas en zigzag marcando cierto ritmo compositivo.

Debe señalarse también que en el lenguaje corporal se observa cierta rigidez; y el hecho de que originalmente estaba situada en el Foro de Roma a todo color, es decir, que estaba policromada.

En cuanto al contexto, en los aspectos generales debemos indicar que la civilización romana nace en la península itálica con un sistema político que va evolucionando desde una monarquía inicial pasando por una República y un Imperio.

Los romanos presentan una sociedad muy jerarquizada y una importante base militar pues el ejército se convierte en el principal motor de expansión del imperio, una expansión organizada en dos fases: conquista y romanización.

En el caso de la religión, los romanos adoptan los dioses griegos si bien durante el imperio consideran dios al emperador al que se le conoce con el nombre genérico de César.

Con respecto a los aspectos concretos, podemos indicar que la obra que hemos analizado fue realizada en el siglo I perteneciente al comienzo del imperio. Una época imperial que terminará en el siglo IV con la división del imperio en dos: Occidente y Oriente. De todos los emperadores, Augusto antiguo pupilo de Julio César, pertenece a una de las familias más importantes de Roma que se perpetuará en el poder durante varios años. El momento en que se realiza esta imagen del emperador simboliza el comienzo del imperio tras haber conseguido la rendición de los últimos pueblos sometidos; un símbolo que también aparece presente en otra obra relevante de este periodo el Ara Pacis.

Para saber más:

BIANCHI BANDINELLI, R. y TORELLI, M. (2016) El arte de la antigüedad clásica. Etruria y Roma. Akal.

Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada: 

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RECORRIDO VISUAL ARQUITECTURA ROMANA

El objetivo de la presente entrada es realizar un repaso visual sobre los edificios más relevantes de la arquitectura romana.

Nuestra primera parada es la ciudad, concebida siguiendo un plan ortogonal marcada por el cruce de dos vías principales: Cardo y Decumanos.

En la imagen de la izquierda puedes ver una reconstrucción de la ciudad de Roma de la época imperial. Dentro de las ciudades romanas el lugar más importante era el Foro. Situado en el centro, deriva del Ágora griego y es el lugar en el que encontramos edificios religiosos, administrativos, el senado o políticos, así como monumentos tales como arcos de triunfo y estatuas del propio emperador.

A continuación os dejo un vídeo con la explicación del urbanismo romano y el foro:




Dentro de las ciudades nos encontramos las viviendas. En la imagen de la izquierda puedes ver una maqueta que reproduce una insulae que, como puedes comprobar, se parece mucho a los actuales bloques de pisos. Eran los edificios donde vivían gran parte de los habitantes de las ciudades.

No obstante, si tenías buena posición social y económica podías vivir en una Domus, residencia situada dentro de la ciudad con todas las comodidades posibles; y si eras muy rico y no te conformabas solo con la residencia urbana podías vivir en una Villa que era algo así como una ciudad de pequeño formato en territorio rural. A continuación os dejo un par de vídeos que recrean viviendas romanas:



Como edificios religiosos los romanos también construyen templos que se encuentran dentro de la ciudad, conservamos varios restos como Templo de Portuno en Roma, Templo de Pula y Augusto en Croacia o Templo de Vesta en Roma del que no se conservan restos pero se sabe que tenía una planta circular. Aunque sin duda el templo romano más importante es el Panteón de Agripa del que puedes ver un vídeo bajo estas líneas:


En cuanto a edificios públicos podemos encontrarnos las Basílicas que son el equivalente a nuestros actuales juzgados; y las Termas ( las más importantes fueron las de Diocleciano) que son baños públicos con zonas separadas para hombres y mujeres. Sobre las termas os dejo un breve video a continuación:


Mención aparte merecen los edificios destinados a los espectáculos: Circos son de planta alargada y están dedicados a la celebración de carrera de cuádrigas; Anfiteatros están destinados a los espectáculos sangrientos como la lucha de gladiadores siendo el Coliseo uno de los más conocidos; Teatros que siguen el modelo griego aunque con diferencias, pues se construyen dentro de la ciudad, disponen de una fachada y se encuentran totalmente cubiertos al exterior, el más conocido es el Teatro de Mérida. A continuación os dejo algunos vídeos de estos edificios:






Por último, tenemos que hacer referencia a obras de ingeniería como calzadas, puentes o acueductos destacando entre los últimos el Acueducto de Segovia; y obras de carácter conmemorativo como Arcos de Triunfo y columnas como la de Trajano con relieves de carácter propagandístico al servicio del poder establecido.

Por último os dejo un video sobre el acueducto de Segovia:



Para saber más:

BIANCHI BANDINELLI, R. y TORELLI, M. (2016) El arte de la antigüedad clásica. Etruria y Roma. Akal.

Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada:

https://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_de_la_Antigua_Roma#/media/Archivo:Artgate_Fondazione_Cariplo_-_Betti_Oreste_-_Veduta_della_Roma_imperiale.jpg

https://es.wikipedia.org/wiki/Arquitectura_de_la_Antigua_Roma#/media/Archivo:Insula2.jpg

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EL DIVÁN JAPONÉS

 

En la imagen de la izquierda puedes ver la obra  "El diván japonés" obra gráfica, cartel realizado por Toulouse Lautrec con la técnica de la litografía en las últimas décadas del siglo XIX.

En cuanto al tema nos encontramos con una escena de interior, un café, donde en primer término más cerca del espectador aparece representada una pareja, un hombre y una mujer, que son espectadores de un espectáculo que está teniendo lugar en un segundo plano más alejado de nuestro punto de vista.

Fíjate en la existencia de un plano intermedio, entre la pareja y el escenario, y que se encuentra marcado por los instrumentos de la orquesta que está tocando en directo. Al fondo, apreciamos el escenario donde encontramos una mujer, una actriz, que está actuando.

La función de este cartel no es otra que promocionar el espectáculo, en este caso, "El diván japonés" cuyo rótulo puedes ver colocado en la zona superior derecha del cartel. Además, observa con atención que bajo el nombre del espectáculo puedes ver la calle donde se representa dicho evento; así como una pequeña información adicional que aparece colocada en el margen inferior izquierda de la composición.

Centrándonos en los aspectos formales, ¿Cómo se consigue la sensación de espacio? Esto se aprecia con la utilización de diferentes planos compositivos, el primer plano marcado por la pareja; el plano intermedio recorrido por diagonales que conforma el foso donde se encuentra la orquesta; y el tercer plano donde podemos ver a la bailarina sobre el escenario.

Observa con atención cómo el dibujo es el protagonista, es el mecanismo que utiliza Lautrec para poner orden en un espacio compositivo limitado. El dibujo está presente en las diagonales de la orquesta y también en el arabesco que marca el respaldo de la silla en la que aparece sentada la mujer y le bastón que sostiene el hombre que la acompaña.

En cuanto al color, Lautrec utiliza colores planos destacando el negro de la silueta femenina, el rojo de su cabello, el amarillo se la silla y el bastón. Fíjate con atención porque la combinación de negro, amarillo y verde se repiten; es decir, los encontramos en el primer plano y también en el escenario, de manera que Tolouse consigue una perfecta combinación de líneas y colores para crear la sensación de espacio y los efectos de luces y sombras.

Además debe tenerse en cuenta la influencia de la estética japonesa en Tolouse Lautrec que observamos en este cartel. Los rasgos del hombre que acompaña a la mujer son orientales, el gusto por la línea curva y sobre todo el tratamiento de la propia mujer ponen de manifiesto una clara conexión entre este cartel del autor francés y los Ukiyo-e japoneses, visible en la obra de autores como Hiroshige o Hokusai.

Con respecto al contexto, Tolouse Lautrec realiza su obra en las últimas décadas del siglo XIX. Un periodo caracterizado en lo político por un claro desarrollo de las políticas imperialistas y colonialistas como una destacada consecuencia de la Segunda Revolución Industrial. Unas políticas que traen un nuevo mercado a occidente pero también van a suponer la puesta en marcha de un juego de alianzas que desencadenará la Gran Guerra Mundial del siglo XX.

En el apartado artístico, Tolouse Lautrec se enmarca dentro de la corriente Postimpresionista donde también se engloba a otros autores como Paul Gaguin, Vincent Van Gogh y movimientos como los Simbolistas y el Puntillismo. Son autores y movimientos que surgen justo después de la finalización del movimiento impresionista.

A Tolouse Lautrec se le considera uno de los padres de la cartelería moderna. Gran parte de su producción artística se centra en la realización de carteles que reflejan espectáculos representados en el Moulin Rouge. Un lugar frecuentado por el autor del que también reproduce en algunos cuadros como Baile en el Moulin Rouge. Pero sobre todo sus carteles en los que destaca las estrellas del Moulin como es el caso de La Goulue, Jane Avril; sin olvidar otros carteles donde aparecen bailarinas bailando can-can o una pareja de amantes, observando en todos ellos los rasgos típicos de su estilo, importancia de la línea, colores planos y en algunos de ellos presencia de un dibujo de trazo rápido y nervioso.

Para saber más:

GOMPERTZ, W. (2013) ¿Qué estás mirando? 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos. Taurus, Madrid.


Enlaces de las imágenes utilizadas para la presente entrada:

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martes, 3 de noviembre de 2020

BERTHE MORISOT Y MARY CASSATT

 

En la imagen de la izquierda puedes ver un retrato fotográfico de Berthe Morisot, pintora francesa vinculada al movimiento impresionista, círculo en el que entra de la mano de Manet con el que terminará emparentando.

A esta chica ya la conoces porque el propio Manet la inmortaliza en su obra El balcón. Berthe comienza a formarse acudiendo al Museo del Louvre a dibujar. Al conocer a Manet, éste la acoge y establece con ella una estrecha relación de igual a igual lo que permite a Berthe entrar en contacto con los impresionistas; pese a casarse con un hermano de Manet, nuestra protagonista nunca dejará de lado su obra pictórica donde imágenes intimistas se dan la mano con piezas donde el estudio de la luz y sus efectos serán protagonistas.


En la imagen de la derecha puedes ver una fotografía de Mary Cassatt. La imagen está tomada en 1913 y nos presenta a una Mary Cassatt de edad avanzada.

De origen estadounidense comienza a formarse asistiendo a academias donde tiene que aguantar el desplante de compañeros y profesores que no toleran su presencia en las aulas solo por su condición femenina.

Tras abandonar el ámbito académico y contando con el apoyo familiar Mary decide viajar recalando en primer lugar en Italia donde estudia a los clásicos y más tarde en París donde conoce a Degas. Este autor vinculado al impresionismo conduce a Mary al mismo grupo recibiendo el mismo trato que su colega Berthe.

El objetivo de esta entrada es ver obras de ambas autoras y su conexión con colegas impresionistas.

La cuna, Berthe Morisot
En la imagen de la izquierda puedes ver "La cuna" (1872) de Berthe Morisot, un interior que representa a una mujer contemplando a un niño/a que aparece dormido en una cuna cubierta por un dosel.

Interesante es el uso de la luz que incide sobre la cuna y la sensación intimista que se respira. Una sensación que también podemos ver en "El baño del niño (Child's bath)" de Mary Cassat y que puedes ver a continuación:

Child's bath, Mary Cassatt









La imagen que aparece a la derecha pertenece a Child's bath de Cassatt, observa nuevamente un interior, una madre con su hijo, y realizando una escena cotidiana en este caso la madre está sentada en el suelo mientras sostiene a su hijo/a con los pies metidos en un recipiente con agua.

Los cuadros de ambas autoras y otros de temática similar como Mujer en su baño de Berthe Morisot o El té de Mary Cassatt, se pueden conectar con La clase de Ballet y Absenta, ambas de Degas, donde también podemos apreciar ese aire intimista donde las bailarinas, por ejemplo, pueden estar realizando un acto tan cotidiano como rascarse la espalda o llevarse la mano a la zona lumbar para poder descansar. A continuación puedes ver ambas obras:

La clase de Ballet, Degas




Absenta, Degas.





















En la imagen de la izquierda puedes ver Día de Verano de Berthe Morisot. Fíjate en que la escena transcurre al aire libre y tiene como protagonistas a dos mujeres en barca.

La pincelada es muy rápida y nerviosa y se puede apreciar una sensación de inacabado en los personajes. Observa cómo da la impresión de que las figuras, la mujer de la derecha, parece fundirse con el fondo; y otro tanto sucede con los patos que están en el agua y el paisaje del fondo. Esto nos permite conectarlo con la obra El palco de Renoir, donde igualmente observamos esa sensación en los protagonistas del cuadro.

Otro dato interesante de la obra de Morisot es el uso de la luz, fíjate en el rostro de la mujer de la sombrilla azul que está en sombras por el sombrero que lleva y en los reflejos obtenidos en el agua.

En la imagen de la derecha puedes ver Verano cuadro realizado por Mary Cassatt en 1894 y donde nos ofrece algo similar a lo observado en el cuadro de Morisot. Al igual que ella también Cassatt centra su cuadro en el agua en dos mujeres que aparecen en una barca; si bien a diferencia del anterior el espacio no es tan amplio.

Fíjate como Cassatt se recrea en el agua, en los reflejos de luz conseguidos, en las texturas de color; algo que se aprecia muy bien en las dos mujeres, en especial en la que aparece colocada a la derecha de la composición. Date cuenta en su cabeza cubierta por el sombrero y en los efectos de luces y sombras que se consiguen. Un interés por la luz y el color que se aprecia también en otra obra de esta misma autora llamada Fiesta en el bote.

Este interés por la luz y sus efectos nos permite conectar a Morisot y Cassat con el impresionista Renoir y en concreto con cuadros como El columpio, Baile en el Moulin de la Galette o el Almuerzo de remeros, donde Renoir juega con la luz y su efectos. Los dos últimos puedes verlos bajo estas líneas:

Baile en el Moulin de la Gaelette, Renoir



Almuerzo de remeros, Renoir


Para saber más:

GOMPERTZ, W. (2013) ¿Qué estás mirando? 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos. Taurus, Madrid.

GRIMME, K. H. (2008) Impresionismo. Taschen, edición Diario El País, Madrid.


Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada: https://es.wikipedia.org/wiki/Berthe_Morisot#/media/Archivo:Morisot_berthe_photo.jpg

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LAS CLAVES DE VAN GOGH

 

Os presentamos a Vicent Van Gogh pintor holandés del que puedes ver a la izquierda uno de los muchos autorretratos que realizó a lo largo de su corta e intensa trayectoria.

Van Gogh está vinculado a la corriente del Post-impresionismo que engloba a una serie de jóvenes artistas entre los que se encuentran Gauguin y Tolouse Lautrec, que siguen revolucionando la forma de entender la pintura más allá del camino explorado por el Impresionismo.

El protagonista de la presente entrada encaja a la perfección en el esquema de artista atormentado. Dotado de una extraordinaria sensibilidad con numerosos altibajos emocionales, intenta abrirse camino en el arte ofreciendo una obra diferente de pincelada nerviosa y quebrada que se convertirá en su sello personal y en precedente de algunos de los movimientos de vanguardia surgidos antes de la Primera Guerra Mundial. En esta entrada vamos a repasar algunas de sus claves a través de sus obras más significativas.


La primera parada la hacemos con el cuadro que puedes ver a la derecha. Se trata de Los comedores de patatas realizado en 1885. Forma parte de los primeros titubeos de Van Gogh a la pintura cuando se encuentra destinado en las zonas mineras de Holanda desempeñando el oficio de pastor protestando en un vano intento por seguir la vocación familiar.

Observa que, pese a la presencia de una paleta oscura, sin embargo es posible apreciar algunos elementos que serán una constante en la obra pictórica de este autor. Su pincelada empastada y el interés por las texturas visibles en los rostros recios y las manos nudosas de los protagonistas.

Otra de las claves de Van Gogh es la admiración que siente hacia los Ukiyo-e, los grabados japoneses que llegan a Francia en la segunda mitad del siglo XIX y que se convierten en una influencia destacada en los pintores de la época.

En la imagen que aparece a la izquierda puedes ver, en primer lugar la pieza situada a la izquierda, El puente Ohashi y Atake bajo una lluvia repentina, realizado por el grabador japonés Hiroshige uno de los más destacados representantes del Ukiyo-e. Mientras que la imagen más situada a la derecha puedes ver la copita realizada por Vincent Van Gogh. El entusiasmo que siente el holandés hacia los grabados japoneses se revela en el interés por la línea y el uso de unos colores planos, aspectos con los cuales los japoneses logran la sensación de espacio. También el hecho de que los motivos tratados en estos grabados son de carácter costumbrista.


Van Gogh destaca por su labor como retratista. En la imagen de la derecha puedes ver el retrato de Pere Tanguy. Este personaje es uno de los nombres más influyentes del París de finales de siglo XIX. Se puede decir que todo joven pintor acudía a él para establecerse y comenzar a hacerse un nombre debido a los contactos que tenía. Cuando Tanguy conoce a Van Gogh enseguida se percata de la problemática personalidad del holandés al que aconseja abandonar París para retirarse a un entorno más tranquilo, Arles donde Van Gogh desarrollará toda su producción. Lo interesante en este cuadro es que encontramos ya la pincelada quebrada y nerviosa del pintor holandés; pero además podemos apreciar que el personaje ha sido retratado acompañado de diversos grabados de arte lo que pone de relieve el conocimiento artístico de este marchante que, si te fijas con atención, podemos observar en los rasgos del rostro ciertas reminiscencias orientales.

Entre los numerosos retratos que Van Gogh realizó de las personas próximas a su entorno podemos mencionar el retrato del Dr. Gachet quien se ocupa de tratarle en las sucesivas crisis que sufre; y también podemos mencionar el retrato del Cartero Roulin encargado de hacer llegar a Van Gogh las diferentes cartas que su hermano Theo le escribía.


A la izquierda puedes ver el cuadro Café de noche o café nocturno (1888) El cuadro se enmarca dentro de la temática costumbrista reproduciendo el interior de un café que realmente existió en Arles y que se caracterizaba por permanecer abierto toda la noche para recoger a aquellas personas que, debido a su estado de embriaguez, debían pasar la noche en él ante la negativa de los dueños de la pensión.

En un vistazo general lo que nos llama la atención es la combinación de colores, amarillo del suelo, verde de la mesa de billar y el techo y rojo de las paredes. Observa que el amarillo igualmente está presente en las lámparas que penden del techo. La referencia espacial viene dada por el uso del color, las líneas marcadas en la tarima del suelo y la luz. Fíjate como la perspectiva aparece falseada por el autor para transmitir en el espectador la enorme sensación de desasosiego que se observa en la escena. Una sensación de angustia y opresión que no queda aliviada ni siquiera por el hecho de la puerta que aparece abierta al fondo de la composición.

Cerramos nuestro repaso a las claves de este autor con la imagen que puedes ver a la derecha. Se trata de La noche estrellada(1889) y que fue pintado por Van Gogh como parte de la terapia que le permitía recuperarse de los episodios de crisis sufridos.

En esta caso nos encontramos ante un paisaje nocturno con una vista de la propia Arles. Observa la presencia de líneas nerviosas tanto en el ciprés cuya silueta se levanta en el extremo de la izquierda, como en el paisaje montañoso y el tratamiento del cielo. Un cielo nocturno plagado de estrellas que parecen moverse gracias a las formas de ondas que recorren la composición.

Por último os dejo un breve vídeo sobre el autor:



Para saber más:

 GOMPERTZ, W. (2013) ¿Qué estás mirando? 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos. Taurus, Madrid.

Enlaces de las imágenes utilizadas en la presente entrada:

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